¡Brindo también por la alegria de vivir!

porque es preciso vivir para poder crear y vivir no es simplemente habitar este mundo, sino aprender de todo aquello que nos rodea para ser mejores seres humanos. Porque vivir es amar, llorar, reir, perder, ganar, caer, soñar, crear, desear, esperar. Porque la vida se trata de contrastes, opuestos, contrapesos que coexisten en una eterna búsqueda de equilibrio y es nuestro deber buscar el punto medio en esas aparentes dualidades o incongruencias para a partir de ahí gestar nuestra felicidad. La felicidad no es otra cosa sino ese equilibrio armónico de contrastes y matices que forman nuestra existencia.

¡chin! ¡chin!

FELIZ 2009

FELICES FIESTAS

Mis mejores deseos para esta navidad y un 2009 lleno de  nuevas metas por
cumplir

Mis saludos

Damián Bojko

http://ar.geocities.com/damian_bojko



      
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FELIZ        NOCHEBUENA    !!!!!!

FELIZ    NAVIDAD  !!!!!

QUE NO POR REPETIDAS ESTAS PALABRAS PIERDAN SU VALOR DE  IDENTIDAD  ....

QUE EN ESTA FELICIDAD DESEADA   ESTE ENGLOBADO  EL PODER DE LA CREACIÓN  COMO INTERES ESENCIAL ....

QUE JUNTOS EN LA DISTANCIA  ESTABLEZCAMOS  UN PUENTE  DE UNION ALZANDO NUESTRAS COPAS  Y BRINDANDO POR UN TIEMPO MEJOR...

    Y QUE FUNDAMENTALMENTE  HAGAMOS VOLAR NUESTROS MEJORES DESEOS.

Se agradece la difusión

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Adriana Villagra Expone en México La artista plástica expone pinturas al óleo en la 1ª Bienal de Arte Contemporáneo "Arte con raíz en la tierra" en la ciudad de Chapingo, México. Adriana Villagra participa en la 1ª Bienal de Arte Contemporáneo "Arte con Raíz en la Tierra", organizada por la Universidad Autónoma de Chapingo, institución educativa de trayectoria nacional e internacional, dedicada plenamente a enseñar el cultivo de la tierra y la del hombre. El evento se llevará a cabo del 7 al 19 de noviembre del corriente año en las instalaciones de la universidad situada en el municipio de Texcoco, Estado de México y abarca las disciplinas de pintura, escultura y expresión gráfica. En esta muestra, la artista presenta pinturas al óleo que se enmarcan dentro de la temática propuesta por el Comité organizador de la Bienal. La Universidad Autónoma de Chapingo es una institución con sólida vocación por la problemática agronómica y con más de 150 años de trabajo académico, investigación, difusión de la cultura y servicio. La bienal propone desarrollar un encuentro artístico, plástico, académico y social en torno al respeto a la tierra. Para Adriana Villagra, esta muestra constituye un peldaño más en su carrera, pues ya ha tenido la oportunidad de participar en otros eventos internacionales importantes como: Artexpo de Nueva York a inicios de este año y Arteclásica en Buenos Aires, donde expuso por segundo año consecutivo en julio. Para la Bienal de Chapingo, viaja con un grupo de 14 artistas argentinos y manifiesta que será un honor representar al país entre artistas de todos los continentes. Para esta presentación cuenta con el auspicio de la Dirección de Relaciones Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de la República del Paraguay. Adriana Villagra, recibió importantes distinciones entre las cuales se destacan el galardón "Joven Sobresaliente" por la Cámara Junior de Asunción (Federación Mundial de Jóvenes Líderes y Emprendedores) en la categoría "Logros Culturales" y el 1er. Premio en el 5to. Concurso Juvenil de Pintura organizado por el Centro Cultural Paraguayo Americano y la asociación Amigos del Arte. Ha participado en muestras nacionales e internacionales, en el Centro Paraguayo Japonés, Centro Cultural Paraguayo Americano, Centro Cultural Citibank, la Harris Gallery de Houston, entre otros. Es miembro de la comisión directiva de la asociación "Amigos del Arte", entidad que tiene como finalidad fomentar las manifestaciones artísticas y culturales en el Paraguay. Las obras de la artista pueden ser vistas en su sitio web: www.adrianavillagra.com.

El devenir de los tiempos no forma categorías, sino cambios. Un pintor en este siglo no está en mejores o peores condiciones que el pasado o en futuro. Una nueva fisonomía en arte es un valor. El valor lo determina el artista, ya sea en un tiempo individualista o anónimo, primitivo o civilizado, pues siempre es un hombre el que realiza el arte y ese hombre artista, es el que en definitiva determina el valor.//

***

Los cambios en arte, surgen de un inherente modo de ser del hombre, la inquietud interior. Satisfecho esto, o colmada la aventura de lo nuevo, solo queda el valor del arte o sea el modo profundo y significativo del hacer artístico. En pocas palabras, no existe pintura clásica o pintura moderna sólo hay buena o mala pintura.//

***

Juego puro o invención van juntos, casi yuxtapuestos; las imágenes de mis cuadros son puramente poéticas. Su origen: son vivencias del quehacer plástico. Mi intención: es el libre juego creador. El hombre y las cosas que aparecen son vistos de adentro-afuera. Mi placer máximo es el juego creador, donde surgen la libertad de la imagen y la libertad del espacio. La libertad de la imagen crea la espontaneidad, ya que no hay vigilancias racionales que me detengan a especular, es entonces donde el espacio libre se vuelve un lugar infinito de posibilidades. Así voy tejiendo con inmenso placer esta experiencia. Si hay un espíritu libre, en consecuencia hay un espacio libre.//

***

El arte no revela la verdad, no está comprometido con la realidad, el arte es una invención del hombre, el hombre se expresa a través de él. La expresión es la forma del sentimiento y la intuición es el camino para llegar al sentimiento donde la razón queda afuera.//

***

Tengo ciertos cuadros que fueron inspirados en la contemplación de una fruta madura. Contemplando profundamente, viviendo esa imagen plena de un durazno o un tomate empecé a dar en mis cuadros esa plenitud dorada o roja de que estaba llena esa fruta. Plenitud e intensidad. Dejé de razonar para sentir plenamente cada milímetro de la tela, para llenar cada instante plástico de vida y ritmo en un espacio libre e infinito de posibilidades. Las formas aparecen espontáneas sin categorías, sin vigilancia, solitariamente libres, el color explota como una fruta madura de verano y un negro intenso y silencioso aísla las formas para que sus colores suenen sin rivalidad, sin compromisos. Solitarios aparecen forma por forma y juntan cantan una canción escondida largo tiempo en mi.//

***

El concepto limita, la intuición nos libera. Al filo del concepto asomándose a ese borde, la aventura surgía ante mí, la necesidad de aventura vino de una impostergable inquietud interior. En mi aventura, todo es posible porque todo lo imagino. Para encontrar la vida, tuve que lanzarme al espacio libre con una única esperanza, que en fondo oscuro del espacio, encontrara mi propia voz. Fue entonces que la imaginación corrió desesperada por galerías sin fondo, extrayendo un mundo insospechado, un mundo de aventuras por que el bogo lleno de angustias y alegrías, lleno de voces que cantan la canción de "siempre todavía" con ecos, formas y colores.//

***

 
Reconocer mi propio estilo es como tratar de reconocer mi propia voz. Solo puedo dar testimonio de mi autenticidad en el caminar y que como estoy viviendo y me busco día a día siempre caminando solo por el camino hecho se sabrá del hombre.//

***

También las estrellas tienen su canción, los pájaros, las flores. Caminar no es avanzar, caminar no tiene otro fin que seguir viviendo, y para que mis cuadros vivan solo necesito que el público los recree y participe viviéndolos.//

***

Para mi no hay en la tela puntos más importantes que otros, no hay jerarquías, trato de dar vida milímetro a milímetro.//

OBRA DE  ARTE Y FILOSOFÍA

Existen tantas teorías acerca del arte, ensayos, pensamientos
filosóficos etc., a mi manera de ver lo que  hacemos teorizando el
arte, es tratar de que la mente acepte y vea el arte (que no puede
ser explicado en su totalidad), de cierta manera para intentar
expresarlo con palabras, buscando el motivo o intentando captar la
misma sensibilidad del artista que creó la obra.
Pero la obra de arte no puede ser explicada con palabras, es un
sentimiento tan sublime, tan individual, con un contenido tan
profundo que solo puede ser entendida y sentida en su real dimensión
por aquel que la concibió en un momento único, donde siente la
necesidad de sacar a la luz todo aquello que se halla cautivo en su
interior e intenta hacerse uno con la expresión, con la
materialización del mismo, intentando simbolizarlo de una manera
entendible o no al espectador, lo cual no es lo primordial para él.
  Lo primordial para el artista es dale forma a un sentimiento o
emoción para  exteriorizarlo y así liberarse.
Hasta que punto una experiencia puede ser transmitida en palabras?,
ya que el sentimiento pertenece a una realidad abstracta éstas
siempre serán insuficientes.
El arte, o una obra de arte es para cada artista una manera de
expresar lo inexpresable solo en palabras, porque lo que es para él,
no lo será lo mismo para el espectador (en todo caso si el artista
se empeñara en explicarlo, estaría manipulando, para que la obra
signifique lo mismo para el espectador), es algo que él exterioriza
de acuerdo a su experiencia individual, pero es una utopía que el
espectador desde "su" experiencia, pueda sentir lo mismo, ya que su
sentimiento , su emoción, ante la misma obra será diferente a la del
artista,  podrá intentar comprender, pero difícilmente logre sentir
lo mismo.
Finalmente el artista en esencia no hace el arte para los demás, lo
hace para así poder expresarse, lo hace en todo caso para compartir
su sentir acerca de una situación o varias situaciones, tal vez
hasta buscando ilusoriamente, hacer eco en algún otro ser humano
que  al observar su obra sienta lo mismo, sin que la misma tenga que
serle explicada previamente.
Es bueno filosofar e intercambiar experiencias, y opiniones acerca
del arte intentando con nuestra mente intelectual, con la razón,
analizar algo que se expresa con el corazón, de esa manera sentimos
que al menos estamos intentando comprender al otro o a los otros.
En cuanto a la belleza de una obra, aquel que gusta de los colores,
al mirar una obra juzgará la belleza de la misma refiriéndose  a los
colores, si son fríos o cálidos ect. y gustará de la misma por esas
características, aquel que gusta de las formas reales apreciará más
una obra fiel reflejo del natural, otro apreciará más la obra si es
una interpretación del natural, y en algún otro caso, el espectador
tratará de captar la esencia, el simbolismo de la obra, para
analizar lo que la misma le transmite emocionalmente, cada uno
maneja el concepto de belleza de acuerdo a sus experiencias
individuales, el desafío está en instaurar un contrapunto armonioso
entre la sensación y el concepto, donde se fundan lo individual y lo
colectivo, lo real y lo abstracto
  Para mí la obra de  arte es subjetiva para el espectador y objetiva
solo para su autor para su creador (a no ser que se trate de una
obra figurativa), y  lo más importante de una obra es que esté allí
para transmitirle al espectador un sentimiento, una emoción, que
coincida con su propia experiencia y no necesariamente con la
experiencia del artista.
Es así como la obra se ve enriquecida con las distintas experiencias
de los demás, que al mirar la obra ya están reflexionando,
cuestionando y sintiendo frente a la misma.
En síntesis, me parece excelente que se trate de explicar una obra
de arte, de fundamentarla filosofando acerca de la misma. Pero
conocer y recabar datos acerca de la experiencia que despierta en
cada espectador la misma obra sería sumamente enriquecedora.

Osvaldina Servián de Bulnes
28/08/08

Confesiones de un autodidacta

(Fragmentos)

(…)Yo soy un completo autodidacta; nunca fui a ninguna academia de dibujo ni tomé clases de pintura. Porque a mí, la verdad, esto no me parece una carrera. La creación es una fatalidad, y empleo esta palabra, como lo hace Juan Ramón, para explicar un destino. Para mí el creador verdadero es aquél que no puede dejar de hacer lo que hace; es el que no quiere hacer eso, pero está interiormente obligado a hacerlo. Hay, evidentemente, una parte de oficio, que algunos temperamentos aprenden por sí solos, y otros que necesitan alguien que se lo enseñe. Pero para ser un creador no es necesario ir a academias; eso se es desde el primer momento, y si no se es, lo mejor es abstenerse. Hay demasiados pintores, demasiados escritores, demasiados músicos, demasiado de todo. (…)

(…)Yo siempre hago la diferencia entre lo que es un creador y lo que es un artista, porque me parece que el artista ve las artes como labores de adorno, como bonitos entretenimientos. El artista puede ser alguien a quien le guste las cosas bellas, y se distraiga en aumentar el catálogo de esas bellezas. El creador, sin embargo, es un ser misterioso, y no es que yo quiera adornarlo, que tiene necesidades absolutas y profundas. Es alguien que no sabe cuál es el impulso que le lleva a la creación. Él no está buscando, lo que quiere es dar lo que posee, que ya tiene, y objetivarlo. El gran naufragio del arte en lo que va de siglo es precisamente por ese afán de inventar, de encontrar cosas que no se hayan hecho antes, de novedades. Goethe, en cambio, nos enseña que todo lo que se podía decir ya se ha dicho. Lo que nos queda entonces, y ya es mucho, es volverlo a decir, y eso ya constituye algo distinto. Hay un músico en pleno siglo XX que dice que volver al pasado es ya un avance, es un progreso. (…)

  ***

(…) Mi sentimiento de la pintura está en otro sitio, no en la manera de aparecer. Yo creo que la pintura moderna se ha alejado, desde hace ya algún tiempo, de ese sentimiento central, fundamental, y se ha dedicado precisamente a lo opuesto, a lo aparente, a la manera, a la forma, hasta llegar a vaciar la pintura, hasta dejarla sin contenido. Y como tampoco se puede estar sin nada, se ha llenado la pintura de lo sobrante, de una especie de basura horrible. Hace ya bastante tiempo que no se busca dejar la pintura en su esencia. Bueno, ahí están Paul Klee y el mejor Picasso, pero después de esa primera vanguardia todo son variaciones sin sentido. (…)

  ***

(…) Esta actitud mía escandaliza mucho, y no es para tanto. Juan Ramón dijo que el arte se mide por siglos, y estamos todavía en el Renacimiento. Lo que ocurre es que ahora están enloquecidos, sobre todo los poetas y los pintores, con ser modernos a toda costa; ése es su objetivo principal. Ya no se habla más que de décadas, y los poetas y pintores de hace diez años son ya gente pasada, ya son clásicos, en el peor sentido. Vea usted que todo son novísimos, post-novísimos, requete-novísimos... Yo todo esto lo veo como un disparate, una ingenuidad, un infantilismo. Una página de Cervantes y una de Juan Benet no son comparables en modernidad. La de Benet era moderna la semana pasada; la de Cervantes lleva mucho tiempo siéndolo, y así continuará. Yo no creo en el progreso de la creación artística. La ciencia es posible que avance, pero el arte sigue estando en el mismo sitio que estaba, en las cavernas. Es más, o está en el mismo punto, o no es nada. En esto no vale eso de ahora ya no es así, es de esta otra manera.
El arte, la creación, responde a un instinto natural de ese ser que crea su obra. Yo no puedo creer que haya épocas ni géneros. Lo único que hay son caracteres diferentes, pero estas cosas apenas tienen importancia. El centro del asunto es siempre el mismo; la vida del espíritu. Eso que no sabemos ciertamente qué es y que, sin embargo, se nos presenta como lo más tangible de una obra: su latido, su respiración, su ser. (…)

----

* Ramón Gaya (1910-2005) Pintor y escritor español

Museo Ramón Gaya
Blog Oficial de Ramón Gaya
Web de Ramón Gaya

Una obra de arte que consiste en "morir" y ser reconocida
Sedada y desnuda, la prestigiosa artista guatematelca hizo pensar en la muerte.

Enlace de la nota
http://www.clarin.com/diario/2008/08/05/sociedad/s-01730300.htm 

Todo lo que se supone "arte"

POÉTICA: Creación - Sublimación - Descubrimiento - Alteridad

GÉNESIS–EURESIS– POESIS- NOESIS

ARTE: Conocimiento - Destreza - Eficacia para dar Origen,Innovar, Comunicar y Dignificar.

¡Oh escritor, oh filósofo! con qué palabras, con qué frases,

con qué oraciones, con qué conceptos,

con qué doctrinas se podrá describir, con tanta

y bella perfección, la integra visión de la imaginación

como lo hace  la poética visual.

Leonardo da Vinci

Poética: arte

El Arte de la Poética: La Poética del Arte

Aristóteles asignó a la Poética el Télosde presentar al ser y a su entorno como podría ser y debería ser.

El Arte y la Poética son theoresis: entidades metafísicas y analógicas,son motivación, estímulo, verdad, participaciones emotivas y expresioness ublimes y sublimantes

ARTE

El clasicismo del Egeo heredó y legó este polisémico y polimórfico concepto.

Areté: eficaz, eficiente, avezado, virtuoso; fin, finalida del télos mismo de la ciencia, el ideal de la educación; el logro y consecución de fuerza, destreza, vigor, agudeza y la nobleza de  cuerpo, mente y espíritu.

Aristós: mejor, mayor, magno; refiere y designa el cumplimiento, la consecución, el clímax del propósito o función.

Aristoi, buenos, magnánimos, justos, éticos.

Artista, el ser apasionado y reflexivo que crea, genera,innova; el talentoso, el singular.

Ars est recta ratio factibilium: el Arte es el exacto conocimiento de lo que se debe hacer.

Ars est principium faciedi et cogitandi quae sunt facienda:Arte es, los principios del hacer y la reflexión sobre el hacer.

Arte es virtus operativa y recta ratio: Arte es la virtudoperativa y el exacto   conocimiento de sus razones.

Ars sine scientia nihil est : el Arte sin ciencia nada es, y la ciencia que no logra el Arte no es ciencia.

Arte: concepto dimensionate.

Arte: virtud, facultad, habilidad, destreza, eficacia majestad, excelencia, inventividad, sapiencia, perfección.

La extravagancia, la ortodoxia, la banausia, la torpeza, la sordidez, la pereza, la destrucción, la indolencia, la ingenuidad, laincoherencia, las terapias ocupacionales, los usos y costumbres pusilánimes, la imitación y la ignorancia son la antítesis de todo Arte.

El Arte no es un decir caprichoso, ilógico o accidental, por el contrario, es aquéllo por lo cual hacemos público el conocimiento, y lo que pensamos, sentimos, nuestras expectativas, lo más íntimo, lo más preciado.

El Arte no se limita a expresar temas ya conocidos, por el contrario, genera y diversifica temáticas, las multiplica en continentes ydimensiones aun no conocidas. 

El Arte es proyección de las emociones y la razón, es intuición e intención es forma y contenido es: continente de voluntades, conjunción de formas y conceptos, es la manifestación de las visiones y pulsiones de los imaginarios de la humanidad en todo tiempo.

El Arte es polimorfo, autológico, es dinámica social,transmite ideas, emociones, sentimientos, afectos y valores, es el inédito constructo de toda cultura.    

Para G.W.F.Hegel, lLa verdadera obra de Arte genera en los seres, además del goce inmediato, el pensamiento, la reflexión y juicios. La realidad del Arte es la realidad superior.

El Arte es la expresión y representación total sensible e inteligible de las ideas.

Arte: campo genésico, cognitivo y expresivo de multifacética naturaleza, de complejos sistemas de lección y codificación, su especificidad operativa y apreciativa se define y signa a través de la diversidad de lenguajes. Lenguajes que dimensionan y enfatizan, de formas integrativas de pulsiones significantes y proyecciones referenciales, significativas e inmanentes.

Para EmmanuelKant,  el Arte es el mediador idóneo entre la razón y la sensibilidad.

El Arte no se limita -como la historia- a reproducir los hechos del mundo real empírico; su naturaleza y ser se propone captar las expectativas el espíritu de la época, el inconsciente colectivo, lo idealizado,los universales; el Arte visualiza los proyectos o aconteceres no como son, los considera de otra forma, los enfatiza en la trascendencia, los dramatiza, los convierte, los subvierte, los sublima, los optimiza.

El Arte conduce al espíritu humano a penetrar en la íntima coherencia de la meta realidad.

El Arte y la Poética son hermeneusis:entidades metafísicas y analógicas, son estímulos, verdad, participaciones emotivas y expresiones sublimes y sublimantes.                                                                                                                                      

El Arte y la Poética se manifiestan en las expresiones trascendentes,sublimes, que convierten la experiencia perceptiva en admiración contemplativa,erótica, sublime similar a las experiencias revelatorias, a las visiones místicas.

Las formas y las imágenes que conmueven los sentimientos,las emociones y las nociones son: el vínculo histórico-social, son el nexo entre el instinto y la filogénesis, entre las sensaciones y la conciencia.

Los dones del ARTE emergen de la alteridady de las exégesis diseñadas para generar memorables experiencias para la sensibilidad y lainteligencia.

El Arte surge de complejos periplos de la inteligencia tamizados a través de paráfrasis,analogías, abstracciones,resemantizacionesy múltiples palimpsestos.

El artista tiene que saber todo y mucho más, el Arte demandaaprenderlo todo, preguntándose, observando y preguntando constantemente; como Bruno Brunelleschi ancló un magno cáliz inverso en los cielos, como los artilugios de Alhazen que con  tan solo espejos y cristales vencen a las distancias yla fatiga antaña, como los astrónomosy los cartógrafos sin visitar lugar alguno visualizan los mapas de las lejanías, las noches y losdías de los mares, ríos, islas y montañas en tejidos de oscuros o luminiscentes puntos y líneas que forman extensos tapices para distintos destinos. Como la laudería mediterránea y la astillería escandinava son preceptoras de la edilicia médicos solo de tenues indicios infieren posibles dolencias, y próximos males. Por qué y cómo la armonización de aromas, colores, sonidos y sabores se instituye en bálsamos que alivian las algias. Como los poetas en el luxo de sus creaciones fusionan,tiñen y tañen sentimientos, sensaciones, saberes, sustancias, sueños, dones,fonías, formas, fines, estancias, instancias, instintos, intuiciones, imágenes,intimidades, pensamientos, pasiones, paisajes… 

El artista es inspirado amante de la razón; procura todo conocimiento, aún el de las secretas ciencias, y muchas veces hasta debe fingir ignorancia para descubrir las excelencias de los otros.

LeónBattista Alberti

Arte: Excelencia (conocimiento - destreza - magnanimidad -elocuencia)

El Arte de hoy, el que se está gestando a través de las tecnologías de la información y la comunicación (TIC) es multidimensional,ubicuo, filantrópico y plural.

El status quo mediático profesa que solo hay un Arte, el Arte del pasado, el del siglo pasado que confundió la extravagancia con la originalidad, el valor con el precio, la libertad con la ausencia de compromiso con su sociedad y el medio ambiente, y que sustituyó a la autocrítica por la membresía y dio fe a la autocomplacencia con credenciales; aunque resulte increíble hoy día aún hay retrofuncionarios que creen que es mejor ver hacia atrás, hacia las maneras de producción del pasado que llaman tradicionales y sólo ser imitadores o coleccionistas, cofrades de la rentable decadencia; sus miedos y la ajena nostalgia por el pasado los lleva a confundir lo universal con lo local, a los usos y costumbres y a las antigüedades con la historia.

El Arte no es lo que decreta la plusvalía. El Arte es reto,es algo vivo. Prevé y refleja la realidad de ahora, predice la del mañana y nos orienta a observar el pasado con visión crítica y a originar al promisorio futuro.

Todo lo vivo se transforma. Toda sociedad evoluciona a pesar de los pesares y la función que realiza el Arte en esta filogénesis,en esta transformación es fundamental e insustituible.
              

El respeto a la tradición no significa la complaciente tolerancia a
obras que corresponden a diferentes circunstancias,
tampoco significa la aceptación sumisa de modelos, de reglamentos,
de leyes, de instrumentos y de formas cognitivas pretéritas.
El respeto a la tradición significa la preservación de lo esencial,
la identificación de lo aún vigente, de lo pertinente, de lo consecuente de lo que hará posible el promisorio futuro

WalterGropius

El Arte dio rostro y espacio a las deidades que ahora sonespejos y entornos del espíritu.
El Arte hace que hoy sea ayer ymañana.
El Arte trasciende las cosmogonías, los paradigmas, lasideologías, las histerias y a las historias.
El arte da horizontes, interioridad, memoria, vitalidad yporvenir.

Roberto Real de León             Julia Vargas Rubio         Marco Antonio Flores Enríquez

"Comentario: Leer detenidamente ya que es muy importante esta nota y Patricia Sosa es realmente muy solidaria.

Tobas en El Impenetrable
Son personas muy golpeadas, con mucho resentimiento hacia los "blancos" como ellos nos llaman, por diferentes razones.
Paxi la cacique dijo varias cosas:

1 - Primero y principal, que a mas tardar el 25 al 30 de JUNIO deberíamos estar viajando, la razón es simple y horrible, se están muriendo de hambre y esta por comenzar el frío y no tienen ni comida ni ropa.

2 - Después comentó que debido a las mismas causas ellos no
aceptan educación o charlas de organizaciones nuestras, esto obligo a Paxi a estudiar medicina, para poder ayudarlos, y la obligo a aprender el idioma, la mayorí­a no hablan castellano, y ella tuvo que aprender el idioma toba para poder retransmitir conocimientos, no te olvides que Paxi es de otra comunidad.

3 - También contó que todo lo que este relacionado con el uso de la tierra, como ser huertas, cultivo, ellos lo saben y muy bien, POR ESO ESTÁN DESESPERADOS POR CONSEGUIR PICOS, PALAS, RASTRILLOS Y DEMÁS para poder trabajar con este tema y poder así, encontrar otro medio para sobrevivir. Vos conoces a alguien que pueda ayudarnos con estos materiales para trabajar la tierra?

4 - Me recomendó, como lo más urgente, además de leche, agua mineral y herramientas, si podemos conseguirles CERÁMICOS, CHAPAS Y CANTIDAD DE PAPELES DE LIJA. Me contó para qué: ellos saben hacerse sus casitas, pero las tienen de barro y están llenos de vinchucas, por este motivo están tratando de hacerlas de nuevo con troncos y chapas. Las lijas las quieren para lijar los troncos.

Ayudemos a esta comunidad!! tenemos que ponernos un poco en su lugar, vienen de generaciones de olvido y están luchando por subsistir y no perder sus costumbres ni sus raíces.

Datos de la comunidad:

Nombre: Nahala Nkinac, significa Abrazo del sol

Población: 362 personas


Ubicación: Paraje 614 Iglesia Amor y Paz Zona del Aviac Monte Alto a 3 Km. de El Bermejito.

Guí­a de la comunidad: Pastor Delfa­n Castillo

Cacique de honor: Paxi Quillon (ti­tulo por dos años que le otorgó la tribu)

Condiciones:

* La iglesia es un salón de 10 X 18, con pisos de barro

* Luz: no tienen. Cerca de ellos ven los postes y el cableado que pusieron antes de las elecciones, pero la luz nunca llego al lugar.
Saben que a 3km hay un pueblo que tiene luz.

* Agua: no tienen agua potable, contiene arsénico. Nos mostraron algunas fotos en las cuales pudimos ver chicos con el pelo más claro a causa del arsénico. Actualmente compran bidones de agua a una Cooperativa de El Bermejito, a $12 el bidón de 5000 l.

* Escolaridad: de un total de 400 niños, sólo están concurriendo a una escuela de El Bermejito, 144. Nos contaron que les enseñan en un aula aparte.

* Idioma: no hablan castellano, por eso la única comunicación con el exterior es por medio de Paxi.

No ayudas:

- El IDACH, Instituto del Aborigen del Chaco, no los ayuda con soluciones de fondo.

- Médicos del Mundo en Argentina nunca los visitaron, a pesar de informarnos por mail que tienen una oficina en Castelli, municipio cabecera de El Impenetrable.

- En Bermejito hay diferentes precios para blancos y tobas, por Ej.: el precio del pan es de $3 para blancos y $6 para tobas; el precio de una pala es de $80 para un blanco y $300 para un toba.

Ayudas:

- Como excepción y por pedido especial al Gral. Sherleim del 3º Cuerpo del Ejército, los visitó con enfermeros para realizar curaciones.

- El Defensor del Pueblo, Sr. Mondino, realizó una denuncia por genocidio étnico después de la muerte de cuatro bebés por desnutrición y de dos personas mayores.

- El ejército reparte actualmente una caja de alimentos por familia, de parte del Gobierno de Cristina Kirchner. Esta ayuda, los tobas la distribuyen entre las comunidades de Torol Tai, Paso Sosa, La Pelole y Cabeza de Buey, porque no llegan las cajas hasta esos lugares.

Necesidades mas urgentes:

- Luz: utilizando los postes instalados o con energí­a solar

- Empresa o individuo que pueda excavar a una profundidad mayor de la ya realizada, para encontrar agua potable.

- Capacitación y elementos para construir aljibes

- Cerámicos para pisos del galpón

- Maestros castellano/toba

- Servicio médico urgente

- Lopedamina, para casos de disenterí­a.

Necesidades para Micro emprendimientos:

- Ladrillerí­a:
Caballos, muelles o mulas
Bomba extractora
Molino

- Quinta / Huerta:
Semillas
Alambre para cercar
Pico
Zapa

- Agricultura:
Arados mancera
Rejas
Caballos / bueyes / mulas
Motosierra sin estrella en la punta

- Cestería:
Agujas pata bolsas
Hilo encerado

- Herreiía:
Vigornia
Fragua
Maza

Mas necesidades:

- Transporte
- Lonas
- Cocinas
- Heladeras
- Carpas para seis u ocho personas
- Alimentos
- Ropa de lana
- Frazadas
- Colchones
- Celular con varias baterías

Necesidades:

Herramientas
Pisos (cerámicos o baldosas)
Alimentos no perecederos
Leches larga vida o en polvo
Platos
Ropa de lana
Agua mineral

Lijas
Chapas
Hachas
Palas
Machetes
Moto sierras
Lonas gruesas
Pavas
Ollas
Faroles
Frazadas
Colchones
Tanques de agua potable
Alambre para cercar

Remedios y artículos de Limpieza

Detebencil
Pomada y loción para sarna, pediculosis, escarbiosis
Jabón para sarna tipo sarnol
Pomadas dérmicas con antibiótico
Pomadas cicatrizantes
Rifocina
Merthiolate, o similar
Iodopopovidona
Ibuprofeno 400
Actron
Ranitidina.
Omeprazol.
Gastrocedol
Taural
Sertal perlas o compuesto
Buscapina en comprimidos
Diclofenac.
Antipiréticos pediátricos y adultos
Aspirinetas y mejoralitos para niños o Ponstinetas
Complejos vitamí­nicos B1-B6-B12. Supradyn, Berocca o similar
Vitaminas C
Jarabes expectorantes. Jarabes antihistamí­nicos para la tos de adultos. Y Jarabes para la tos pediátricos
Paracetamol
Decadron inyectable para las picaduras de bichos venenosos
Repelentes para mosquitos Off. Todos los que se puedan conseguir en aerosol o pomada
Cloro granulado para clorar el agua
Champues antipiojos
Champues comunes
Jabones de baño.
Dentífricos
Cepillos de dientes
Peines finos
Peines comunes
Pañuelos descartables"

DATOS SOBRE LA CRUZADA DE PATRICIA SOSA: 

                               "Pequeños gestos"    

 
 Lugar físico de recepción:     Iglesia de Pompeya – Esquiú 974 . Capital Federal (ciudad autónoma de Buenos Aires)

 
Cuenta bancaria a la orden Frailes Menores Capuchinos – Sucursal Pompeya (0071) Banco de la Nación Argentina.

 
Cuenta:   9500222/46

CBU:       0110095220009500222462

 
Para constatar en la web:                      http://pgporlostobas.blogspot.com

Sitio Oficial de Patricia Sosa:                       http://www.patriciasosa.com/home/index.php

 
Nestor Nanni:    nestornanni@...

                          Tel. 54-221-4533105

                           La Plata - Argentina

Venga, vamos, amigos, que esta situación es inconcebible. En archivos os dejo la carta que han enviado Patricia Sosa y el Padre Sauro Ceccarelli, párroco de la iglesia Nuestra Señora del Rosario de Nueva Pompeya.

Un beso.

Con todo mi cariño

Mara Romero Torres

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cristina

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To: "Cristy" <lamiradaazul@...>
Sent: Saturday, July 05, 2008 4:26 AM
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Artista plástico de Uruguay
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Amigos como estan, espero q hayan recibido la foto de mi obra.

Avicen sus comentarios

Jacky
Enviado desde mi BlackBerry de Movistar

Buenas noches
Les he enviado una foto de una de mis obras, espero q les haya llegado
Jacky

Mis queridos compañeros de ruta, ya somos 1600 integrantes y pronto festejaremos el inicio de la actividad del grupo en nuestro propio reducto de cultura, el lunfardo universal nos posiciona en un mercado creciente.

El viernes tendremos a las 19 hs  la magnífica oportunidad de conocernos personalmente en Arenales 1460, a las 19 hs, ni amiga Luisa me invitó e hizo extensivo esa invitación a todos Uds, los espero.

EL EVENTO SERA LA EXPOSICION DE OLEO SOBRE TELA, CUYA DENOMINACION (MUESTRA) ES "CARTORAFIA".

Prometo esperarlos a cada una con una copa de vino fino y/o champagne.

Hasta entonces.

Daniel Díaz

Titular de la comunidad.

Soy jacky, y estoy recien en el grupo, espero q me escriban
Jacky
Enviado desde mi BlackBerry de Movistar

Invito a los artistas reunidos en nuestro  espacio a publicar fotos de
sus obras con algún comentario respecto a sus  técnicas, formatos,
estilos, etc como asi también  un breve resumen de sus últimas
exposiciones y tambien de sus próximas muestras para conocernos y
acercarnos!!!!!

                                               roberto

Articulo completo en:  Arteamerica 

Lic. MEYRA MARRERO. Curadora y crítica de arte

Aún cuando la Historia del Arte ha ubicado determinadas orientaciones, tendencias y movimientos para el arte en su de cursar, es innegable que en esta labor creativa la individualidad tiene una presencia determinante incluso en los trabajos de equipo. Más allá del esquema romántico y existencial ante la vida, y a pesar de que la tendencia actual vaya por otro camino, el arte todavía hoy sigue siendo un espacio donde la individualidad se manifiesta y/o refugia. Esto mismo podría aplicarse a la curaduría, una labor en la que cada autor tiene su librito.

Desde mi punto de vista, la curaduría es la estructura interna que le da coherencia a una exposición; coger todo los elementos y ponerlos en función de una idea. Mi metodología ante un trabajo curatorial es como la etapa del por qué en los niños; todo exige de un por qué y hasta lo más insignificante cobra sentido. Esto me permite comenzar el trabajo cuestionándome los esquemas preconcebidos de la idea y también ponerme en los zapatos del espectador. Pienso que el curador no debe presuponer que el receptor sea una persona avisada del proceso del arte,  sino que debe desandar el camino de la creación artística con el de su mano. En otras palabras, es solamente ponerse en la posición de aquel hacia quien va dirigida la creación. 

Lo anterior no desconoce que la labor curatorial es una actividad esencialmente manipuladora. De algún modo artistas y obras significan para  el curador lo que para los artistas son los materiales con los que elaborará sus piezas. En la medida en que esto se asuma como un proceso de naturaleza colaborativa, el resultado será mucho más enriquecedor para todos los implicados. Esta es la razón por la que muchos de mis trabajos de curaduría sean producidos en equipo y de que le foco de mi interés curatorial esté puesto sobre los procesos de interacción cultural como modelos más efectivos que la dominación para la adquisición de conocimientos. 

(..)

El trabajo y la relación constante con los artistas es una de las exigencias cotidianas en la labor del curador para no perder el contacto con la realidad, con el contexto para y/o desde el cual desarrolla su trabajo. En este sentido aún tengo la esperanza de que la añorada interrelación entre la Facultad de Artes y Letras de la Universidad de la Habana y el Instituto Superior de Arte (ISA) se haga realidad algún día. 

Entre 1987 y 1992, años en que estudié la licenciatura en Historia del Arte en dicha facultad, la escena artística nacional vivió una etapa efervescente, rica en evento y explosiones artísticas con las cuales poco o nada tuvimos que ver, como ocurrieron por interés en gran medida de los propios artistas fuera, o más exactamente, a pesar del marco académico. Los artistas se han empeñado, sobre todo y de manera consiente desde la modernidad la presente, en expandir los conceptos académicos de lo que entendemos por arte. De Ahí que alguno de ellos ha incorporado a  su metodología de creación elementos propios de otras actividades, entre ellos la curaduría. Pero de igual manera, la curaduría ha incorporado como suyos aspectos de la creación artística,  demostrando que el "afán expansionista" no es un interés exclusivo de los artistas. 

(…)

A manera de reflexión final me gustaría señalar que el curador, primero que cualquier otra persona, es el responsable del resultado y calidad de una exposición. Es como el director de orquesta o de un film, por tratar de ejemplificar, pero debe saber además escoger el momento adecuado, conocer el contexto en el que su trabajo se inscribirá. Si bien ninguna obra puede sustituir el contexto cultural concreto al cual sirve de expresión, el trabajo curatorial tampoco y como las obras, corre también el riesgo de sufrir un lapso de sentido cuando es removido de un sitio a otro. El hecho de que una exposición se desplace complejiza el trabajo curatorial si se quiere lograr, por supuesto, una verdadera comunicación. Traducir las palabras de catálogos y el listado de obras no es suficiente. Hay que "traducir" la exposición toda. 

Para las artes plásticas, al menos en teoría, la labor curatorial podría llegar a ser sinónimo de garantía. La exposición resultante, como una oración gramatical sintácticamente perfecta, nos llevaría de la mano por los vericuetos comunicativos del arte. Pero no sólo de un manejo hábil del lenguaje, balanceando adecuadamente las dosis de información y reiteración, depende del nivel de efectividad y éxito en la comunicación humana. En materia curatorial no es muy diferente, más bien es lo mismo, exactamente lo mismo. 

Tomado de la Revista Arte Cubano Nro 1 2001

Parte del acta del Jurado que premiara este proyecto con el Premio Nacional de Curaduría de 1998 que otorga la Asociación de Artistas plásticos de la

MANUAL  DEL ARTISTA HIPER- MODERNO

Por Carlos Genaro Matus                   

INTRODUCCIÓN

A lo largo de las últimas décadas la proliferación de manuales artísticos ha sido constante. Todos ellos tienen en común el enfoque técnico formal como tema central y dejan de lado la esencia conceptual del problema de la plástica  surgida a comienzos del siglo XX. Esta publicación llena el vacío existente en torno a este fenómeno, convirtiéndose en un valioso punto de referencia para el artista profesional y el artista en formación. Los aspectos técnicos son tratados con profundidad y lucidez, dejando claramente establecida la conexión histórica  entre forma y contenido con el consecuente resultado escenificado a comienzos del siglo XX. La técnica no es el dominio artesanal de los materiales, sino las acciones conceptuales emprendidas por el artista en torno a un tema. Este es el origen de un nuevo orden estético. A partir de éste, el contenido pasó a tomar un lugar preponderante sobre la forma y hoy configura  una nueva academia, oficializada en todos los países occidentales.

De otro lado este manual aporta un valioso compendio de conocimientos probados y verificados en las décadas más recientes, y da una visión  clara del importante rol del arte en la sociedad moderna.

LOS MATERIALES EN EL ARTE

INDICACIONES PRELIMINARES

1) EVITE TODO CONTACTO CON MATERIALES ARTÍSTICOS.  Esta primera indicación técnica  parece absurda,  pero no lo es. Nada más contraproducente para un artista hiper-moderno, que el uso  de trementina, aceite de linaza, lienzo  pinceles, lápices y todo lo que recuerde el ya superado asunto de la pintura y la escultura de los siglos pasados, incluida  la post-modernidad. De este pasado remoto sólo sería aceptable tener en cuenta el dibujo como medio,  pero dentro de ciertos parámetros y siempre alejándose de toda alusión a la representación pura de la realidad. En su lugar cabría pensar en el dibujo abstracto, el uso de la técnica del calco así como la copia simplificada de fotografías en lo posible de escenas sin conexión o bien, su opuesto absoluto,  imágenes totalmente reconocibles por el imaginario colectivo. Centre su atención  en escenas de violencia cotidiana, que recuerden algún evento social o político, o una catástrofe natural. Así estará enfocando de la forma adecuada esta expresión plástica. En todos los ejemplos antes mencionados trate de resolver el planteamiento evitando como ya lo dijimos, el uso de lápices, pinceles, carboncillo, plumas de dibujo o materiales tradicionales similares. En su lugar adopte soluciones técnicas como el dibujo con hilos cosidos, grapas, puntillas, tachuelas, excremento de insectos, de animales en general o el suyo propio en particular,  cabello humano, fragmentos de goma de borrar, el ya clásico lodo, el dibujo con arena, café o coca –cola y por supuesto , toda técnica fotográfica y registro obtenido por este medio, que  es hoy, fácilmente aceptado como dibujo con el adecuado argumento conceptual.

2) NO USE SUS MANOS. Este es otro valioso consejo técnico y tiene que ver con la ejecución de la obra. Siempre es mejor si en lugar de hacer usted mismo sus dibujos opta por estas dos alternativas:
- Los manda a hacer por encargo a un dibujante profesional.
- Coordina su ejecución por parte de un grupo de personas sin formación plástica de       ninguna clase y  (lo que es  más deseable aún), de un grupo social marginal.

No olvide que el menor contacto posible con el material de la obra y con su ejecución, es muy bien estimado por la crítica y la curaduría. Cabe recordar el argumento infalible con el que puede sustentar este proceder y que no debe perder de vista:

"Casi todos los grandes artistas del pasado tenían talleres en donde los aprendices eran quienes hacían la obra , siguiendo las indicaciones del maestro".
 
Sin embargo tenga precaución en el momento de emitir este argumento, puesto que alguien puede opinar que a diferencia de usted, los antiguos maestros sabían hacer todo lo que después delegaban a sus aprendices.

Para evitar situaciones incómodas, tenga a mano el texto sobre el proceso creativo de Marcel Duchamp y sus clásicas frases sobre la pintura y los pintores. Estudie y apréndase de memoria algunas de estas sentencias y todas aquellas susceptibles de ser manipuladas y adaptadas a sus requerimientos técnicos.

De igual manera cuando se refiera a su obra no olvide mencionar que es una "reflexión" en torno a un tema de actualidad.

Con este párrafo damos por concluido todo lo referente a los materiales artísticos y su empleo en el arte. Queda claro, de una parte, que la única técnica pre-moderna medianamente aceptable  a estas alturas de la historia del arte, en el ámbito  del mundo hiper-moderno, es el dibujo siempre y cuando cumpla los parámetros explicados ampliamente en esta sección .Además  se establece que los únicos "materiales" del artista post- moderno son las palabras, es decir, la argumentación teórica verbal o escrita.  En la siguiente sección nos dedicaremos a analizar minuciosamente todo lo referente a las técnicas para la utilización adecuada de este material.

LAS TÉCNICAS EN EL ARTE HIPER-MODERNO

Este capítulo es muy extenso y abarca todo lo referente al uso de técnicas en el arte hiper-moderno. Está subdividido en varios temas: Tetradimensionalidad social, Proyectación curatorial, Experimentacionalidad docente,… Todas ellas se basan en la argumentación teórica, oral o escrita, como es obvio, luego del notable avance del pensamiento artístico en el siglo XX. Se puede afirmar sin lugar a dudas, que un artista que no sabe construir discursos conceptuales, simulados o reales, tendrá muchas dificultades en la profesión. Evalúe a fondo sus destrezas verbales y busque la oportunidad de potenciarlas. Del mismo modo enfatice la redacción de textos y aprenda a insertar con sutileza, citas de autores extranjeros. Con algo más de experiencia aprenderá a llevar a cabo sutiles apropiaciones, a tal punto que incluso una revisión exhaustiva, no permitirá detectarlas.  La palabra es hoy el equivalente a los pinceles, cinceles y lápices del pasado.

1 TETRADIMENSIONALIDAD  SOCIAL: Esta es sin duda una de las técnicas más importantes de la historia del arte. Su origen ya es remoto si tenemos en cuenta más de cien años transcurridos  desde el cubismo. Como lo indica su nombre hace referencia a las cuatro dimensiones del mundo físico que nos legara Einstein  con  sus teorías.  El epíteto "social" implica una relación directa con la cotidianidad del artista, que es su razón de ser. A continuación examinaremos algunas de las técnicas y procedimientos más importantes. Asumimos como condición de las técnicas del arte hiper-moderno, la presencia del interlocutor o los interlocutores hacia quienes va dirigida la obra que es a la vez el discurso.

1-1 TOMA DE CONSCIENCIA: Tome plena consciencia e incluso, adopte la estrategia de la autosugestión, para reafirmar su importancia social. No olvide que usted es un "artista", es decir, un profesional con  rango de  sacerdote o gurú, y la enorme tarea de iluminar la mente de la mayor parte de la población mundial, que ignora por desafortunadas y diversas razones la existencia del arte moderno y , lo que es peor aún, del hiper- moderno. Siempre que le sea posible, no dude en hacer ver a su interlocutor la absurda situación que supone vivir sin saber nada acerca del arte moderno y aunque tenga que admitir que usted "no pinta" (ni dibuja, ni esculpe, etc., etc.), es heredero directo y por derecho propio, de toda la tradición artística de occidente. Más aún, que justamente por ese inmenso bagaje cultural, es que usted no necesita pintar (ni dibujar, ni esculpir, etc., etc.), puesto que sería un paso atrás en su evolución conceptual. Si por alguna razón alguien opta por recordarle que prácticamente todas las vanguardias artísticas fueron creadas por pintores, escultores y dibujantes, y que fue probablemente por su sólida formación plástica (no olvidar a Picasso), que pudieron concebirlas, tenga en mente antes de responder, el argumento contundente que atribuye a los críticos de arte la construcción del pensamiento artístico moderno. Concluya categóricamente la discusión afirmando que esto sólo prueba, una vez más el bajo nivel intelectual de los pintores y que por eso usted es artista pero no pinta , ni dibuja, ni esculpe, etc., etc.

1-2 LA IMPORTANCIA DE HABLAR Y DE LEER:  Cuando le presenten a alguien, hable poco pero asegúrese de emitir frases contundentes, incluso mordaces, que evoquen al menos a dos o tres filósofos post-modernos, en lo posible, franceses. Si usted habla francés, absténgase de citarlos en ese idioma.  No es buena idea. En cambio mencione que los ha traducido porque encontró que ninguna editorial europea ni norteamericana, ha logrado producir una versión a la altura de lo que usted conoce del autor en cuestión. Es obvio que el paso siguiente será afirmar que quizá por eso la gente no entiende nada de lo planteado en el complejo mundo del pensamiento estético. Dicho en otras palabras, por eso nadie lo entiende a usted. Después de estos cortos procedimientos técnicos es improbable que alguien se atreva a entablar una discusión. Esto no implica sin embargo la ausencia de preguntas incómodas. Siempre habrá alguien quien lo interrogue inocentemente acerca de porqué en lugar de estudiar artes visuales, plásticas o como quiera que se llamen, no estudió filosofía, antropología, sociología o algo similar, puesto que parece muy enterado de todos los temas y sin embargo no hace básicamente nada para ganarse la vida. No permita que estas afirmaciones lo incomoden.

Argumente y contraataque:
Adopte una actitud distante y simule ser condescendiente. No lo olvide. Usted es artista, no es pintor, ni nada por el estilo. Su función es pensar, no producir objetos artísticos para el consumo burgués. Bueno, por lo menos no en el sentido tradicional de "objeto artístico".
Existe un riesgo permanente en este argumento, y es el de  explicar cosas como éstas: ¿porqué una rueda de bicicleta está en la colección de obras del Museo del Arte Moderno de Nueva York?  o ¿ porqué se pagó una importante cifra por una lata de "mierda de artista"?  También estará en la lista de objetos por explicar el orinal de Duchamp, pero allí radica la importancia de leer.
 
Argumente y contraataque:
Si Octavio Paz escribió un ensayo de veinte páginas acerca de un vidrio roto, y  Foucault  escribió trece en torno a  Las meninas, es probable que la teoría sea más importante que el objeto artístico. De nuevo el terreno se hace sólido y a su favor, si tenemos en cuenta que con toda probabilidad su interlocutor de turno no ha leído a Octavio Paz ni a Foucault. Es más, probablemente no sabe quienes son esos señores.

Otro asunto espinoso respecto al cual conviene adoptar medidas de evasión, y poner en acción todas sus destrezas verbales tiene que ver con algo que suelen preguntar sólo los interlocutores más enterados. Su reflexión suele plantearse así:

"¿No es verdad que  el arte moderno surgió como respuesta vital en contra del establecimiento encarnado en la burguesía, para criticarla, burlarse de ella etc., etc.?"
 
Usted se verá obligado a responder que si, por lo menos en esencia. A continuación vendrá la temida y bien documentada proposición.
 
"Si es así, ¿Porqué los mayores compradores y mecenas de la historia del arte moderno, son burgueses y con frecuencia, multimillonarios?

Pregunta a la que seguirá una andanada como ésta:

O acaso… ¿Los Gugguenheim no eran  millonarios?  "¿Y  Peggy  Gugguenheim no fundó una galería de arte moderno y luego el museo de Arte Moderno que lleva su apellido?  Y… ¿Los Rockefeller no hacían algo parecido?  ¡Ah! y Peggy ¿no era la esposa o algo así del surrealista Max Ernst y luego tuvo mucho que ver con Jackson Pollock? Ah! y los Goodyear, y la Container Corporation  ¿No hacían algo parecido comprando arte moderno "antiburgués"?

Argumente y contraataque:

La explicación tiene varios matices: los burgueses eran muy ingenuos para no darse cuenta de que lo que les vendían  iba a contracorriente de su forma de vida  y sobre todo,  de sus pautas estéticas ,o bien, asumieron la vieja estrategia de anular su efecto "devastador" asimilándolo, es decir oficializando su estética "chic". La frase manida de si no puedes contra ellos, úneteles. Pero aún cabe una tercera posibilidad y es que las dos situaciones anteriores se dieron a la vez.

Si los argumentos han alcanzado esta dimensión, sin duda su interlocutor es algo más que un aficionado y en consecuencia puede llegar a instancias superiores, lo que llevaría a desencadenar una andanada retórica como la que cito de ejemplo:

"Si los burgueses europeos se emocionaron con el arte moderno y prácticamente se lo inventaron, es lógico suponer que el país más importante del mundo, ganador de la II guerra mundial, tenía derecho a lo mismo o a más. Por ejemplo tenían derecho a inventarse nuevas vanguardias y hasta una versión trágica de artista incomprendido a lo Van Gogh, sólo que en un escenario  lo más norteamericano posible. Recordemos al pobre Jackson Pollock. Se sabe de buena fuente que no estaba muy contento con aquello de ser famoso y sin embargo no poder vender bien su obra.  Todo porque los burgueses en cuestión no estaban muy convencidos de comprar manchas de pintura, aún si el mismísimo Greenberg, (si Harold, el crítico ) les contaba toda la teoría. Porque muchos empezaban a entender que les estaban vendiendo no un cuadro, sino una teoría. Algunos de estos burgueses insensibles deben haber recordado el cuento ese  del traje del emperador. Pero, "¿Porqué los artistas y sus, desde entonces, imprescindibles colaboradores, los críticos de arte,  insistían en vender su trabajo a estos burgueses? (de nuevo el orinal y la lata de mierda son citados). Parece que los artistas no son en el fondo tan antiburgueses. Parece que lo que cambió  fue el producto o   lo que desde entonces venden como producto. Ahora pueden decir: Ya no vendemos pinturas, ni esculturas. Ahora vendemos ideas. A ver si se atreven también a comprarlas. Y las compran porque hay una floreciente profesión que se encarga de explicarlo todo: la  crítica de arte. Ellos se harán cargo (y lo siguen haciendo), de vender esas ideas. Claro que sólo las entienden los que saben de arte  pero recuerde su ventaja : nada peor para un  burgués que no estar a la moda. Ese es su talón de Aquiles de modo que no importa mucho si no lo entienden. Si la crítica especializada dice que algo  es importante entonces se puede comprar con toda confianza."

Si nos hemos extendido tanto en un ejemplo como éste, es porque creemos que tipifica una de las situaciones más difíciles de controlar por parte del artista hiper-moderno. De hecho, hace parte de una de tantas discusiones sostenidas en foros de diversos lugares del mundo.  En efecto, es complejo explicar la sospechosa ambigüedad de los artistas contemporáneos, su paradoja al producir arte conceptual antiburgués, pero aspirando al mismo tiempo a vendérselo a esa misma burguesía o en el peor de los casos, aspirando a que esa burguesía institucionalizada en museos, fundaciones, concursos artísticos, bancos etc. etc. premie su labor, para aliviar así  las culpas sociales de sus miembros.

Esto se puede considerar todo un reto técnico tetradimensional. Sumemos a lo anterior el deseo de reconocimiento  social tan caro al artista y su intento por hacer creer que lo que hace genera profundas y contundentes reflexiones en el público, al punto de transformar a sus integrantes y completamos las dimensiones sociales que son la razón de ser del arte .

Resumido en una frase podemos decir que, nada es más snob que negarse a serlo. Observe con atención  la cantidad de artistas que han dejado de lado la pintura, para hacerse ver en ese curioso estado de negación del oficio que es el de no hacer nada, a la manera de Duchamp y tener así un atractivo barniz de hiper-modernidad. Tome nota de esta estrategia. Funciona bien y lo excusa de su pasado de pintor.  Esta es la gran lección que nos dejó el arte pop. Vayamos por partes. Ante todo no se alarme por este reto técnico. He aquí una de las estrategias.

1-3   ARTE PARA TODOS: No pierda de vista que el arte no es un fenómeno masivo sino  una actividad de especialistas. Si le dijeron lo contrario en la escuela de arte es porque todavía no convenía que lo supiera. De hecho lo que más le deben haber recalcado es que el objetivo verdadero del arte es llegarle al gran público, transformar al ser humano común, luchar por la libertad y la igualdad, en fin. No se sorprenda si le decimos que esa es sólo una vieja maniobra de distracción. Conviene que lea el sorprendente texto de Picasso que anexamos en el apéndice, y en el que confiesa abiertamente el uso de ésta y otras estrategias. Si aún conserva en su fuero interno algo del viejo romanticismo pre-moderno, debe romper ese último bastión de ingenuidad juvenil. Por tal razón no se desanime pensando que  su obra  va a tener que ser   comprendida por el gran público que va a los museos o a los eventos artísticos. La clave es sencillamente impactar o convencer a los pocos especialistas que controlan los espacios estratégicos del arte post-moderno. Una vez que ellos estén de su lado los demás miembros de la sociedad, incluyendo a los restantes artistas, tendrán que someterse y aceptar lo que se les dice. Ya verá que una de las consecuencias de esta estrategia será que  el público, la masa humana y anónima, simplemente seguirá enterándose de algo en lo que nunca intervino, ni ha intervenido . El público es un simple espectador, y afortunadamente,  no determina que es o que no es arte. Claro está, es muy conveniente  en términos de la técnica, plantear proyectos que  en apariencia lo involucren. Siempre habrá gente dispuesta a entrar en el juego, por diversos motivos. El primero de ellos es la simple curiosidad. Permita siempre que el público pregunte cosas y rételo o convénzalo de hacer lo que usted le pide. Podemos afirmar que el sólo hecho de lograr despertar su curiosidad es un avance en términos de sus logros como artista. No olvide dejar siempre un registro fotográfico o de video, en el que se vean algunas de estas personas en acción, en el momento preciso de estar frente a su obra.  Si se trata de una obra de  "interacción", cáptelas tocando la obra de algún modo en que se vean participando de ella. Este registro es su mejor prueba  a favor para cuando los especialistas emitan sus conceptos. En cuanto al público, no espere con ingenuidad que una vez vista su obra, vaya a modificar conductas, ideas o estructuras de pensamiento, por el sólo hecho de sentir alguna empatía o, lo que es más difícil aún, por la agresión, o la crudeza que su obra implicó para él.
 
Para efectos prácticos comience con algo muy sencillo como anular con argumentos teóricos las diferencias entre obras de la historia de la pintura occidental. Afirme que no hay ninguna diferencia entre, digamos, un cuadro  de Velásquez como Las meninas y uno de Pollock. Sosténgase en su afirmación, asegurando  que el esfuerzo, la destreza, el conocimiento del color y los materiales y la técnica son exactamente equivalentes en La ronda de noche o Las meninas que en las manchas de un cuadro de  Pollock o  Rothko. Tan pronto vea que su afirmación no convence   y aunque sea una contradicción de su primera afirmación,  acuda  al mejor recurso de defensa, su instrumento técnico perfecto. La historia del arte . Y he aquí el remate de su argumento: No se pueden igualar dos momentos históricos tan distintos como el barroco de Rembrant y Velásquez, con la abstracción de Pollock y Rothko. Son dos épocas en las cuales la pintura tenía funciones sociales muy distintas. Suena un poco contradictorio porque hace un instante decíamos que no hay diferencias, pero viene el siguiente elemento de refuerzo. En Velásquez lo que hay es mucho de artesanal y poco de artístico en el sentido moderno del término, en tanto que en Pollock hay más de artístico y menos de artesanal. Es decir pictóricamente si son obras distintas pero desde la perspectiva de la historia son valoradas por igual. (No se descuide con estas afirmaciones porque alguien puede contraatacar y preguntarle cosas como esta: ¿Pero por qué la historia del arte se atribuye el derecho de decidir esa valoración?  "Y si no son equivalentes, ni iguales, ¿por qué los burgueses pagan cifras tan altas, trátese de Velázquez o de las manchas de un Pollock? "

Sólo en ese momento usted puede tomar de nuevo el control y  hacer un giro a su favor diciendo cosas como:
"Por eso es tan importante estudiar el fenómeno del arte para poder hablar de él" o "usted  se quedó atrás y tiene un enfoque superficial del problema estético".

Estas frases son débiles, hay que reconocerlo, pero pueden servir para ganar tiempo

El asunto es  desarrollar la sensibilidad suficiente, intervenir en el momento preciso e invertir el sentido de la charla, aún si se trata de un  interlocutor bien informado.

En todo caso, siempre quedará una salida muy válida si bien, no tan convincente, y es la de argumentar sin sonrojarse , que los burgueses millonarios que patrocinaron y siguen patrocinando el arte contemporáneo, son "buenos". Si. Así de sencillo. Son sensibles a todo lo humano y quieren ayudar a los artistas a cambiar el orden social. La prueba de su buena voluntad está en que hay museos de arte moderno, fundaciones e instituciones en todo el mundo, patrocinadas incluso por bancos (¡Quién lo creyera! ¡Bancos!) y toda una fraternidad de historiadores, críticos y curadores encargada de defender con todos los medios de comunicación a su alcance, esta labor altruista.

Ya lo dijimos. Este argumento es algo difícil de defender, pero con frecuencia da buen resultado puesto que pocas personas perciben con nitidez la realidad y no saben que el rebelde arte contemporáneo es un establecimiento institucional tan  ortodoxo como lo fue la academia francesa en los  siglos  XVIII y XIX . De modo que puede estar tranquilo. La historia está de su lado.  Usted cuenta con un gran respaldo porque el arte moderno es,  la academia actual y está avalada por todas las instituciones y los ministerios de la cultura de los países del mundo. Su doctrina se ha extendido saludablemente. Nunca olvide estas dos célebres frases, con las que vio la luz el gran movimiento artístico de las vanguardias de la  posguerra , son clásicas y pueden resultar muy útiles a pesar de los numerosos años transcurridos desde su publicación:

"Todo gran arte trata del arte" y "Todo arte profundamente original parece feo al principio".

La primera es de la autoría de Leo Steinberg,  uno de los padres teóricos del arte Pop, y la segunda es de Clement Greenberg. Los dos son considerados auténticos  sacerdotes del nuevo arte.

En nuestros días podríamos enunciar otra de autor apócrifo, pero citada por toda la vanguardia post-moderna:
"Todo verdadero arte tiene que ser arte social."
 Tenga en cuenta estos valiosos datos bibliográficos para  avanzar con seguridad en este terreno, y situarse en su función de comisario y miembro activo de esta academia que cumple más de cien años de creación gracias a la acción de valiosos artistas y críticos, respaldados por unos cuantos burgueses iluminados dispuestos a luchar contra la absurda ceguera del hombre común.

1-4 SER O NO SER: Para el verdadero artista hiper-moderno, ser significa estar. En otras palabras, asegúrese de asistir a todas las inauguraciones o eventos artísticos y políticos que su tiempo le permita. No exagero al afirmar que esto no es un simple consejo profesional, sino la esencia misma del arte hiper-moderno. Tal y como lo dijimos al comenzar este manual, no pierda su tiempo "en el taller", como lo hacían los artistas pre-modernos e incluso, los post-modernos. El taller no existe para el auténtico seguidor de los preceptos del arte actual. El taller es el espacio virtual de, por ejemplo, un cóctel, o una fiesta o una inauguración en el museo de arte contemporáneo de cualquier ciudad del mundo. Ese es su espacio de experimentación y el lugar de todas sus conquistas sociales, artísticas y vivenciales. Le sorprendería saber cuántas cosas esenciales se mueven en medio de la frivolidad de la mayoría de estos espacios. Sea  frívolo  si es necesario porque allí está la posibilidad de aproximarse a los más interesantes personajes del mundo artístico. Aprenda a ser snob, que es la forma más sofisticada de frivolidad, sin olvidar que el esnobismo en el arte no es el mismo esnobismo de la farándula. Un modelo de partida que es todo un paradigma, lo constituye la estructura inventada por la religión católica a partir del mito del antiguo y nuevo testamento. En pocas organizaciones sociales encuentra uno tanta eficiencia, capacidad de sugestión y alianzas políticas con tan pocos argumentos. Si lo examinamos atentamente vemos que, haciendo un paralelo con el arte hiper-moderno, de lo que se trata es de inventar una doctrina irrebatible racionalmente, o ¿quién puede rebatir la idea de un dios que se aparece de la nada y le habla a los hombres, manda a su hijo, que es el mismo, nace de una mujer que sigue virgen y nos da pautas de comportamiento moral y social para morir crucificado y luego resucitar? Esa seguridad, esa certeza al afirmar que todo esto es verdad, así parezca absurdo para nuestra razón, es una pieza maestra de tetradimensionalidad social. Piénselo bien .Durante dos mil años millones de personas han muerto por y para afirmar estos mitos. Millones han sido asesinados y otros tantos han matado en nombre de Jesucristo, Yavhé y la virgen. ¿No le parece toda una lección para el aspirante a artista hiper-moderno? No se trata de que algo sea comprobable, sino de hacer creer a todos que por alguna razón uno tiene la verdad y es irrebatible porque es una suerte de revelación. Ya lo decía al comienzo, el artista es una especie de sacerdote. Hay que buscar los mecanismos que permitan hacer creer a las sociedades que el arte es algún tipo de religión que ayuda al hombre en su tortuoso camino por la vida. Por fortuna se ha avanzado bastante y en este momento una buena parte de los eventos artísticos y las instituciones que los avalan, ya están operando bajo estos principios. El mayor inconveniente está en la raíz que nos inspira. El renacer de los fanatismos religiosos es evidente y ha transformado a naciones como los Estados Unidos en su principal bastión. Qué paradoja . La mayor potencia industrial y militar del mundo está en manos de fanáticos cristianos multimillonarios. Es más paradójico aún saber que fue una nación fundada por laicos incorruptibles que nunca imaginaron el grado de distorsión que tuvieron sus ideas. De modo que para el arte hiper-moderno la mayor competencia a mediano y largo plazo, para ganar adeptos, no viene de los movimientos anti-vanguardia sino de las religiones más famosas de occidente, es decir del cristianismo y sus innumerables sectas , todas ellas afirmando que tienen la verdad absoluta. De todos modos son todas ellas, las religiones, un perfecto modelo de estudio para aprender procedimientos y técnicas artísticas de vanguardia. Analicemos sus mecanismos un poco más de cerca. En primer lugar se trata de crear verdades absolutas basadas en mitos. Esto mismo ya sucedió en el arte a lo largo de la historia y sigue funcionando muy bien. Haga la prueba usted mismo. Trate de criticar a Marcel Duchamp en una reunión de artistas post modernos o hable críticamente de la burguesía de Picasso en una reunión de pintores. Si quiere ir más lejos, asista a una cátedra de arte patrocinada por alguna institución oficial de su país y trate de cuestionar la función social del arte hiper-moderno. En todos los casos le garantizo una reacción negativa de parte del auditorio. ¿Por qué? Muy sencillo. Usted está cuestionando la "fe" en el mito. Es el equivalente a entrar en un grupo de oración cristiano y hablar de los crímenes de la inquisición, o mencionar las jugadas maestras del papa Juan Pablo II para manipular dineros en las cuentas del Vaticano y derrocar al gobierno polaco, por no mencionar la reacción que produciría hablar del pasado de Benedicto XVI como soldado de artillería del ejército nazi. ¿Lo ve usted? Cada situación generaría un efecto del que se puede aprender mucho. En segundo lugar otra interesante similitud entre religión y arte es su ambigüedad social y política. Esto es bien aleccionador. La religión cristiana ha predicado la sencillez, la humildad, la pobreza y otras muchas virtudes. Sin embargo siempre han estado del lado correcto y son de hecho un estado dentro del estado. Las riquezas del vaticano y de las órdenes religiosas son como se sabe considerables. Nunca renunciarían a ellas porque entre otras cosas son el producto de su larga asociación de mutuos intereses con las monarquías y en el mundo moderno, con todas las formas de gobierno de los últimos dos mil años. ¿Cómo parecer humilde, sincero y sensible luciendo al mismo tiempo, impecable de pies a cabeza? El papa actual por ejemplo, calza zapatillas hechas a su medida por Adriano Stefanelli, un artesano de Novara, y retomó el uso de una prenda soberbia, el camauro, especie de capa corta que no usaban los papas desde Juan XXIII. (Por simple curiosidad si quiere ver como es un camauro vea entre otros el retrato de Inocencio X, de Velásquez.). Pese a todo lo anterior atrévase a decir que el papa no es un hombre bueno y sencillo y conocerá la ira de sus seguidores. Esa misma imagen ambivalente y magistral la han logrado los artistas más famosos. Ya mencioné el caso de Picasso. Es una obra maestra de tetradimensionalidad social. Lástima que toda su vida fuera pintor. Pudo dar el paso final y como Duchamp, coronarse de post-modernidad. Pero inspiró a otros y eso vale mucho. ¿Qué otro artista moderno logró lucir siempre como  romántico, loco y  bohemio, sin renunciar a sus riquezas, con mayor maestría?  Al verlo en la intimidad de sus casas y talleres, todo manchado de pintura, arcilla o lo que estuviera usando en el momento, bromeando con la lente de la cámara, parecía un simpático y sencillo personaje que en la calle pasaría desapercibido, pero si   examináramos su declaración de renta veríamos con claridad su verdadera obra  maestra. Su maestría social. Incluso ¡llegó a ser miembro del partido comunista!, y era famoso por su compromiso histórico luego del evento de Guernica. Sólo el papa ha podido lograr tan perfecta armonía de contrarios.  El bohemio millonario! ¡El artista social con enorme patrimonio material y encima ¡comunista! Hay mucho que aprender de Picasso y no es precisamente de pintura, escultura o dibujo. En realidad marcó la pauta para los que vinieron después, y aquí hay que retomar a Duchamp. El que dio el paso siguiente fue este personaje surgido en el rico ambiente europeo de comienzos del siglo XX,  pero formado como pintor. Incluso fue cubista a su manera. Y…he aquí su mayor lección. ¡Dejó de pintar! Eso es lo máximo para la época. Dejar de lado tanto ajetreo con los pinceles, los lienzos y todo lo demás para dedicarse al máximo nivel del arte hasta ese momento: Dejar de "hacer "arte. Además, renegar de la pintura y mirarla "por encima del hombro". Es otro paradigma de técnica en la tetradimensionalidad social. A partir de sus valiosas enseñanzas el camino se abrió para los que aspiraban a un lugar en la historia del arte, sin el esfuerzo enorme de aprender a dibujar, ni mucho menos a pintar. A él debemos la nueva academia, a la que todos aspiramos contribuir. De Duchamp a Beuys sólo hay un paso, como lo hay de Picasso a Pollock.  Por desgracia  para Pollock  su aporte a la pintura, no está a la altura de su maestría social. Es bueno mencionarlo como ejemplo de lo que no debe hacer un artista hiper-moderno. La torpeza en el manejo de la ambivalencia social y política, fue la perdición de Pollock. Está bien vestir de jeans y camiseta. Incluso incurrir en excesos y lucir como un escéptico existencial. Esto es bastante snob y es  muy importante lucir algo o muy excéntrico. Sobre todo saber  adoptar la pose. Lo malo en Pollock es que creía que era verdad y se sorprendía  de la frivolidad circundante sin entender que de eso se trataba. La frivolidad snob de la gente "culta". Ese es el problema de tener un pie en el romanticismo de buhardilla  de pintor y otro en la post modernidad. Pollock debió estudiar en Picasso no sólo sus teorías y técnicas pictóricas sino ante todo su magistral ambivalencia social. Lo que tampoco vio Pollock  fue el enorme avance de otra profesión que es fundamental para triunfar como artista: La crítica de arte y su versión más evolucionada, la curaduría. Desperdició el apoyo de Greenberg y Rosemberg, dos teóricos fundamentales en ese momento, para dar el paso siguiente y quizá, dejar de pintar. Quién sabe si a lo mejor Pollock hubiera podido llegar al Pop, antes que sus jóvenes rivales apadrinados por Steinberg, otro teórico de Nueva York. De todos modos los nombres citados aquí son un buen ejemplo de cómo opera el "ser o no ser" en el mundo actual.

1-5 EL CÍRCULO DE AMIGOS: No hay posibilidades de que funcione alguna de las técnicas de tetradimensionalidad social, sin la creación de lo que he llamado un círculo de amigos. El más importante de sus miembros debe ser un curador o en su defecto, un crítico de arte. De su gestión depende en gran medida el éxito del artista hiper-moderno, pero lo más importante es que este último se deje orientar por él sin reparos. De hecho un buen artista hiper-moderno es en realidad un instrumento del curador o el crítico. Existe  por supuesto la figura de artista-curador, pero este manual se ocupa más del artista puro, no necesariamente con aspiraciones de curador. El artista debe evitar entrar en confrontaciones desgastantes con su curador y asumir su verdadero rol como figura simbólica del complejo pensamiento curatorial. El artista es una especie de funcionario que debe aparentar siempre su independencia, libertad y excentricidad, en aras de lograr convencer con su pose y su imagen a quienes se aproximan a su obra. El curador por su parte debe combinar el conocimiento de la historia del arte y la habilidad de crear discursos a partir de casi cualquier cosa. Es muy bueno que en su perfil profesional se incluyan numerosos estudios de pos-grado en temas como gestión cultural, museología, estética, filosofía, en especial si son en países europeos o los Estados Unidos. Lo mismo puede decirse de la hoja de vida del artista. Es sorprendente notar  que la idea de que quien tiene algo que ver con el arte, y ha  estado en otro país tiene un conocimiento superior a los demás, sigue teniendo efecto en todo el mundo.  Es lógico que si hablamos de conocimiento científico o tecnologías de punta este mito si tiene sentido. Viajar por ejemplo a especializarse en física cuántica o en microbiología, es algo que indudablemente modifica el conocimiento y lo catapulta a otras dimensiones, más aún si venimos del tercer mundo y  accedemos al conocimiento del primer mundo en estos campos. Pero asumir a priori que lo mismo sucede con el arte actual es algo que conviene afirmar, pero que no resiste el más leve examen. Se trata sin embargo de no permitir que el mito del artista como ser superior e imprescindible se termine. Es muy conveniente argumentar ( como si se tratara de una discusión acerca de creencias religiosas), que el arte es tan complejo e importante como la ciencia, y para ello nada mejor que los textos de Duchamp sobre el proceso creativo, porque forman un primer argumento en el que se establece un esquema de análisis similar al del método científico. Si es capaz de crear un discurso coherente basado en este y otros textos similares, habrá establecido una distancia de respetuoso silencio entre usted y sus contradictores.      Este efecto o  fenómeno se enlaza con "el conocimiento revelado" propio de las religiones, y es otro atavismo del que podemos sacar provecho. Es probable que  el artista o el curador no hagan nada distinto de lo que harían en sus países de origen, viajando a Nueva York, París, Roma o Berlín, Más aún si la excusa ya no es ni siquiera aprender técnicas artísticas, o visitar museos, puesto que estas dos cosas son la negación del arte hiper-moderno. Lo único que se argumentaría es el hacer el viaje para escuchar la palabra iluminada de los teóricos europeos o norteamericanos como experiencia "interior" de cambio de paradigmas, y la verdad, en la era de la Internet, el mar de información teórica acerca de casi cualquier cosa, es de tales dimensiones que resulta difícil afirmar que esa sea una razón poderosa para viajar. En todo caso viaje por placer o diversión, que es lo mejor, pero no deje de cultivar un halo de misterio acerca de lo que vio y encontró. Conserve y sobredimensione estas experiencias del mismo modo en que un musulmán viaja a la Meca, y afirma haber alcanzado un gran logro espiritual.  Otros miembros importantes de su círculo, lo constituyen sus compañeros de generación, en especial aquellos con los que ha podido establecer cierta complicidad conceptual. Eso si cuídese de no compartir con ellos información relevante como son ciertas convocatorias y datos de curadores o galeristas. No se sienta culpable por esto. Le aseguro que ellos han estado haciendo lo mismo con usted. Asista a fiestas y reuniones en donde podrá ampliar su círculo de amistades y hacerse notar con técnicas como las que ya hemos descrito aquí. Incluya en su entorno cercano a los coleccionistas que habrán de invertir su dinero en la adquisición de su obra. No se sienta presionado por la palabra "obra". Esta no tiene que ser tangible, ni permanente sino todo lo contrario. El que un coleccionista adquiera una de sus obras no es un efecto directo de su trabajo, ni de los materiales si es que los tiene, sino de la eficiencia y eficacia del curador o curadores que lo respaldan a usted. Un buen discurso es la base de toda obra de arte hiper-moderno, lo que unido a un bien cultivado  complejo de modernidad en el coleccionista, dan como resultado la fama y las ventas que todos buscamos. En mi experiencia personal aún queda el recuerdo de uno de mis viajes a Bogotá hace ya unos 8 años. En esa ocasión me presentaron en un evento artístico de la embajada de Portugal a una joven pareja de ejecutivos que iniciaba una pequeña colección de arte. Me pidieron que los visitara al día siguiente para que los aconsejara acerca de algunas pinturas que habían adquirido recientemente. Las obras eran de indudable calidad técnica y debo confesar que me impactaron pese a mi aversión por la pintura en general y por la pintura figurativa en particular. Sin embargo como comprobación de mis teorías acerca del complejo de modernidad y de la vulnerabilidad de muchas personas en materia de arte, les dije que deberían adquirir arte hiper-moderno. Por supuesto no sabían a que me refería, pero meses después me enteré por intermedio del amigo que me los presentó, que la joven pareja había devuelto las pinturas a la galería y en su lugar habían comprado una instalación formada por un ventilador de aire montado en una butaca  y dos fotografías del artista parado enfrente del ventilador recibiendo el aire vestido en una de las imágenes y desnudo en la otra. La instalación costaba siete veces más que las tres pinturas que habían devuelto y no les gustaba tanto como estas, pero se sentían en posesión de algo que nadie más entendía, menos aún dentro de su propio círculo social de empresarios y ejecutivos, lo que les daba cierto poder intelectual sobre ellos.