Yo creo que incluso eso del concepto es una patraña. En realidad en una obra intervienen tantas cosas, tantas ideas, sensaciones, sentimientos... que es bastante ABSURDO hablar de un concepto. Un concepto lo hay en publicidad, o en ilustración -a veces tampoco tan claramente- pero no en pintura. En pintura si los hay son varios, uno para cada espectador. Y el artista a lo mejor conscientemente ni siquiera ha barajado esa idea. Aún me río cuando la gente habla del concepto de la muerte en este dibujo de una calavera, y de su simbolismo, etc...
Pues resulta que simplemente, tenía la calavera en mi estudio. Me encanta dibujar huesos, y les puse la calavera a mis alumnos. Pues este dibujo lo hice sólo para explicarles a los alumnos las diferencias de tonos entre la calavera y la mandíbula inferior, porque son de personas diferentes.
Si fuese una obra famosa, como la Gioconda, aún se dirían más tonterías. Y yo me reiría más. Y lo mismo pasa con todos los cuadros famosos. ¿Concepto? Mentira cochina. Bastante pobre sería la pintura si tuviese que basarse en conceptos (como el "arte" conceptual). Y por no decir, que una buena obra de publicidad o diseño gráfico puede ser tan compleja como una pintura y responder a muchos conceptos a la vez.
Está bien que los historiadores se devanen los sesos pensando cosas extravagantes sobre los cuadros, buscando su concepto o su idea original. Pero los pintores sabemos que los cuadros son cuadros, y un cuadro es mucho más que una idea ilustrada.
Estoy totalmente de acuerdo, Tomi. En la actualidad sucede que hay una
corriente muy fuerte que valora este método de trabajo, en el que la
obra vendría a ser el resultado de un proyecto meditado, fruto de una
investigación, una mera "ilustración de una idea", despojada del gesto
y del estilo de un artista en particular, en la que el aspecto técnico
a veces pasa a ser secundario.
Yo trabajo también como ilustradora y diseñadora gráfica, y en ambos
ámbitos estoy supeditada a una idea al servicio de otro.
El valor que tiene la expresión artística para mí es justamente esa
libertad que no tengo en otros ámbitos. La obra me surge como imagen,
y en el proceso establezco un diálogo, en el que cada vez me dice más
cosas, incluso después de mucho tiempo después de terminarla. La
propuesta inicial que me llevó a ejecutarla es para mí apenas un
impulso, puede ser ver algo aquí o allá que me llamó la atención,
puede ser una idea, pero en el camino tiene una importante
participación lo accidental y lo espontáneo.
Creo que debería respetarse más la diversidad en el proceso creativo,
el concepto no dejará de estar en la obra, aunque no haya sido
planteado a priori.
-- Miguel-Anxo Varela Díaz
Visita nuestros magníficos, hermosos e imprescindibles blogs:
Estoy totalmente de acuerdo, Tomi. En la actualidad sucede que hay una
corriente muy fuerte que valora este método de trabajo, en el que la
obra vendría a ser el resultado de un proyecto meditado, fruto de una
investigación, una mera "ilustración de una idea", despojada del gesto
y del estilo de un artista en particular, en la que el aspecto técnico
a veces pasa a ser secundario.
Yo trabajo también como ilustradora y diseñadora gráfica, y en ambos
ámbitos estoy supeditada a una idea al servicio de otro.
El valor que tiene la expresión artística para mí es justamente esa
libertad que no tengo en otros ámbitos. La obra me surge como imagen,
y en el proceso establezco un diálogo, en el que cada vez me dice más
cosas, incluso después de mucho tiempo después de terminarla. La
propuesta inicial que me llevó a ejecutarla es para mí apenas un
impulso, puede ser ver algo aquí o allá que me llamó la atención,
puede ser una idea, pero en el camino tiene una importante
participación lo accidental y lo espontáneo.
Creo que debería respetarse más la diversidad en el proceso creativo,
el concepto no dejará de estar en la obra, aunque no haya sido
planteado a priori.
Soy Sara Toro de Córdoba (España) os leo a todos los que participais en el grupo a menudo aunque no he participado de forma colectiva hasta ahora ya que no sabía como hacerlo. Primero decir que me encanta el mundo del arte y en especial la pintura, aunque yo me dedico más a pintar con palabras pues escribo poesía y voy a dedicarme a escribir mi tesis doctoral sobre literatura. En concreto sobre el erotismo y mujer; por eso me parecieron tan importantes las palabra de Adriana Villagra, quien amablemente me dio la dirección para participar en el grupo. Puesto que detrás de cada hombre y cada mujer hay otra mujer aún más grande que la ha apoyado en los momentos más importantes de su vida sino pensad en vuestras madres, abuelas, hermanas y esposas..
¿Cuánto hay de espontáneo y cuánto de meditado en el proceso creativo?:
1.- ¿Deberíamos decir que arte es sólo aquello que ha sido meditado previamente cual científico en su laboratorio? ¿Que los accidentes no pueden formar parte del proceso artístico?:
En este sentido, y lejos de tener respuestas absolutas a lo que aquí y desde el principio estoy planteando, podemos, eso sí, indagar a ver qué pasa.
Es evidente que hay obras que un artista se PLANTEA hacer por lo que asume un proceso en el que quizás todo es más evidente: hay unos pasos hasta la consecución de la obra. Pero, esto no quita para que durante ese proceso de realización sí existan "accidentes" (bien reflexivos o bien formales) que colaboran sin lugar a dudas en la definición de la obra final, en su resultado final. Y esto sigue siendo igual de científico pues de todos es conocido cuánto ha habido de accidental en algunos de los grandes descubrimientos de la humanidad, por mucho que se partiera de un interés de estudio distinto en inicio. Ahí estaría el "encontrar" en el arte.
Es imposible controlar absolutamente todo el proceso: todos los materiales, mi estado de ánimo, la climatología que afecta a la obra, etc. Lo cual no quita para que ese hecho "accidental" sea beneficioso -e incluso llegue a ser, a darse en sí mismo- partiendo, eso sí, de un trabajo constante y esforzado. Es decir, "que la inspiración -
y lo accidental- me pille trabajando". Corre el rumor de que siendo Miguel Bosé un niño, y estando en la casa de Picasso (eran familias muy amigas) éste garabateó sobre una obra en proceso de Picasso lo cual, lejos de irritar al genio, motivó a aprovechar esos garabatos "intrusos" en la obra que estaba realizando.
Las obras de arte no son procesos terminados, en absoluto; cuando salen de las manos del artista son recién nacidos: y tienen toda una vida independiente por delante... y como toda vida, llena de sucesos (a la Gioconda la acuchillaron, el Grito de Munch lo robaron, etc, etc) y eso forma parte de la obra, de sí misma, de su propio bagaje, independientemente de aquel proyecto inicial y la motivación antes de su realización. Cuántos artistas en el teatro aprovechan una situación dada, momentánea, para introducir alguna novedad en esa obra de la que llevan ya cientos de representaciones dándole así otro aire, remozándola; pero eso sí, para que sea así han de estar representando la obra (y esto por lo tanto va más allá de la obra y del escritor que la escribió: la obra vive su propia vida en otros ojos, otras bocas, otras miradas, etc).
2. ¿Puede haber obras de arte espontáneas, surgidas, aparecidas?
Hagamos el mismo análisis que anteriormente. Si quiero hacer un cuadro sobre la guerra de la indepencia española contra los franceses lógicamente se acercará mucho más a lo que entendemos por una obra planeada a priori. Pero, si estoy hablando contigo mientras tomamos unas cañas en una terraza en verano, a eso de las ocho de la tarde y mientras hablamos, de repente se me presenta la obra de arte sin haberla planteado, ¿no será también arte?. Y es que el "meollo" de la cuestión no está en el tipo de obra, si no en el que la genera o es capaz de verla y de llevarla a cabo, el artista. Resulta que mientras hablamos te has girado hacia tu derecha al ver pasar a una preciosa joven la cual a su vez te ha mirado y la postura que has adoptado -la mano sobre la mesa, el brillo de la cerveza con la luz de la tarde, tu rostro casi de espaldas pero tu cuerpo casi de frente a mí, la conexión entre vuestras miradas ella y tú, y el rodar y agitación de la calle-, forman un motivo PERFECTO para ser fotografiado, pintado, para inspirar toda una historia dramática, etc, etc... Y cuando la obra haya sido realizada: ¿será o no arte?. ¿Es planteada o accidental?. ¿No será que depende más del continuo estado de vigilia del artista, de su propia e intimísima vivencia y su posicionamiento en la vida, es decir, lo que yo llamo su mirada?
Si no lo admitimos entonces seremos artistas autocensurados, ya que todo aquello que no haya imaginado previamente, no tendrá cabida en mi arte: bien, entonces como la Guerra de la Indepencia española con todos sus escabrosos acontecimientos no ha sido perviamente concebida por Goya, toda su espectacular obra desde Los Caprichos hasta Las Pinturas Negras, NO SON ARTE Y NO TIENEN CABIDA. Creo que esto no tiene sentido, pues la vida es en gran medida azar o situaciones inesperadas y aquello que nos vamos encontrando y nos va sucediendo accidentalmente o inesperadamente. Y si esto es así con la elección del Motivo, imagínate durante el proceso de elaboración. Sinceramente: ¿pero es que controlamos estrictamente los resultados de nuestro pincel al aplicar la pintura? Yo no, gracias a Dios, y mira que básicamente soy pintor realista, pues eso le añade una libertad a mi trabajo que quizás sea la "Grazie" la Gracia de mi obra... aquello personal y armonioso de mí, propio.
De este análisis, por lo tanto para mí se concreta, que en el proceso creativo se vinculan inseparablemente ambos aspectos: lo planificado y lo inesperado o accidental, no pudiéndose negar ni lo uno ni lo otro... por nuestra propia LIBERTAD y la ALEGRÍA de nuestro trabajo como artistas.
Para mí no puede tener únicamente valida lo realizado bajo un excesivo análisis procesual, una mentalización total; no, me niego, se niegan mis células porque les quito su misión en la vida, ese trabajo forma parte de cada célula del ARTISTA y si no se dá de por sí, entonces simplemente no se es artista y no pasa nada de nada, sí se será un correcto pintor, pero no ARTISTA. Es como si tuvieramos que seguir un manual para respirar ¡Imagínate!... qué sucedería ¡¡Que nos ahogaríamos!! Y todo esto es con la pintura... imagínate con la música, la más abstracta, etérea y pura de las artes.
Muchas gracias por escribir eso, Adriana!!! Realmente me emocionó, es
muy real, no es fácil la carrera artística para una mujer-madre, sobre
todo mientras no tenga el reconocimiento necesario para vivir una vida
un poco más holgada para no estar preocupándose por todo lo que mencionas.
Te agradezco el apoyo en este emprendimiento, amiga.
Están todos invitados a leer la tercera entrega de "Mujeres pintoras",
sobre una artista de los Países Bajos, Caterina van Hemessen. Espero
que la disfruten.
http://mujerespintoras.blogspot.com
Un abrazo
Andrea
Berthe Morisot. En el Parque, 1874; también conocida como "En el césped"; Petit Palais, Paris
Mis felicitaciones a Andrea Piccardo por su emprendimiento en dar a conocer las obras de pintoras que no forman parte de la "historia oficial" del arte. Creo que esto sin optar por una postura feminista fanática ni nada por el estilo (las actitudes extremas nunca son buenas), es un reconocimiento al aporte de las mujeres al mundo del arte y la creación.
Si muchas mujeres geniales no han recibido el reconocimiento merecido, es porque se quiera o no, las mujeres siempre han sido educadas en principio para ser esposas y madres. Ellas han sido siempre quienes han abogado para mantener la estabilidad en el hogar, transmitir las tradiciones y asegurar la reproducción. Si tomaban clases de pintura o escultura o cualquier otra disciplina artística, era vista más bien como un "adorno" que le asegure un buen "candidato" en el futuro.
Difícilmente, estas actividades de "ocio" eran vistas como una actividad que podría encararse como algo profesional como sucedía con los hombres. Una vez vi un programa de televisión dedicado a los impresionistas y mencionaron que la única mujer del grupo era Berthe Morisot que también tenía una hermana igualmente talentosa para la pintura. Ambas tomaron clases desde pequeñas pero llegado un momento, tenían que hacer lo que toda mujer debía hacer: contraer matrimonio. La hermana de Berthe sucumbió a los dictámenes de la tradición pero Berthe decidió apostar a su "carrera" artística. Como ambas demostraban un claro talento para la pintura, en una ocasión su profesor de pintura le escribe a la madre una carta diciendo que no podía enseñarle más pintura a sus hijas, que ambas eran talentosas pero que no podía hacerse cargo de lo que podía surgir a partir de eso (que quede claro que esto no es una cita textual). A partir de esto podría deducirse lo siguiente: ¿Eran Berthe y su hermana tan prometedoras como artistas, que su profesor no quería seguir dándoles clases porque estaba seguro del potencial artístico que tenían? ¿Pudo haber sido una discriminación o sencillamente no quería responsabilizarse de la repercusión que podía tener en la sociedad? Quien conozca bien esta historia, por favor, agradecería más detalles.
Y aquí no se trata de una lucha entre sexos, cosa que siempre consideré ridícula. Se trata de dar a alguien el lugar y reconocimiento que se merece como ser humano. Por eso nunca me ha gustado la expresión "igualdad entre los sexos", yo prefiero usar la palabra "equidad", porque hace referencia más bien al equilibrio y la armonía. Para mí, al utilizar la palabra igualdad se está haciendo justamente énfasis en que una de las partes es inferior a la otra, en cambio al utilizar la palabra equidad, se habla de un equilibrio y complementariedad armónica. Aquí no se trata de deducir quien es mejor que quien, quien es más inteligente o quien es más talentoso/a; no se trata de competir sino de buscar el equilibrio mediante la colaboración mutua. Hay diferencias, de eso no hay duda, pero no tiene que ser motivo de competencia, sino de complemento.
El arte es un trabajo bastante absorbente y si se quiere hasta un poco egoísta. Es una actividad muy ligada al estado de ánimo, el ambiente, el clima porque al fin y al cabo es la sensibilidad la que está en juego. Y conociendo esa capacidad tan femenina de poner atención a varias cosas a la vez y tratar de hacer todo bien buscando el equilibrio; creo que resultaría bastante complicado tener que (voy a poner un ejemplo jocoso) pintar un cuadro por un lado, atender al hijo/a, evitar que la comida se queme o atender el pedido del marido que no encuentra su camisa. (es solo un ejemplo, no digo que sea así siempre). Entonces, para poder dedicar toda la concentración al trabajo artístico que queda por hacer: contratar una niñera, delegar las tareas domésticas, pedirle al marido que se busque el mismo su camisa. ¿Pero, que podría pasar? Tal vez una carrera artística exitosa pero afloran otros sentimientos, se siente una mala madre por dejar al hijo/a con la niñera o una mala esposa porque no está para el marido cuando la necesita…y entonces se cuestiona: ¿vale la pena todo lo que hago? ¿Apuesto a mi carrera? ¿Apuesto a mi familia? ¿Me separo? Me imagino que podría pasar….es muy difícil mantener un equilibrio armónico y no fallar.
Y esta experiencia del anonimato femenino en el arte lo he vivido de cerca con mi propia madre, también artista y mi maestra en el arte. Teniendo un talento extraordinario como pintora y escultora, ella optó por el anonimato para apostar a su familia, por lo cual le estaré eternamente agradecida. Y así me pregunto: ¡cuántas otras mujeres habrán hecho lo mismo! Cuántas otras habrán vivido lo que es la postergación del talento y capacidad de una para permitir que otros se desarrollen y salgan adelante. Para ningún ser humano es fácil hacer algo así; se necesita mucho amor y entrega para realizar un acto como éste.
Con esto no quiero hacer apología del feminismo ni tampoco denigrar a ningún hombre, no me gusta y no lo considero justo. Lo importante es el reconocimiento al talento y el trabajo bien realizado. Y creo que todo ser humano, en mayor o menor escala busca eso, que su trabajo sea reconocido y valorado por sí mismo y en su justa medida independientemente del género, la edad o nivel social.
2do Concurso de Pintura y Escultura Figurativas organizada por la Fundación de las Artes y los Artistas
En esta oportunidad les dejo el enlace para ver las obras que han sido seleccionadas y premiadas en el 2do. Concurso de Pintura y Esculturas Figurativas que organiza la Fundación de las Artes y los Artistas.
Es importante destacar la iniciativa que ha tomado esta fundación para llevar adelante un concurso cuyo principal objetivo es promover tanto la pintura como la escultura figurativas dentro de la escena de la producción contemporánea. Bien es sabido que la pintura y esculturas figurativas han sido objeto del desplazamiento de los circuitos oficiales del arte para dar cabida a otro tipo de expresión que se ajusta más (según aquellos curadores o críticos, que así lo consideran) a lo que sería una expresión propia de estos tiempos.
Sin adoptar una postura fanática con respecto al realismo ni tampoco una actitud de rechazo hacia nuevas expresiones contemporáneas sólo porque sí, yo creo que al fin y al cabo lo que importa es dar cabida a la producción artística de buena calidad. Y aquí se desprende otra cuestion: ¿qué es arte de calidad hoy en día? Es la pregunta que seguramente muchos se hacen, tanto artistas como coleccionistas o amantes del arte.
Además, quien ha optado por el camino del realismo o figuración dentro de la pintura o escultura, en mayor o menor escala ha sufrido algo de la discriminación de quienes lo consideran una expresión propia de "tiempos pasados". El gusto por la técnica, el soporte, el dibujo, el trabajo arduo no tiene mucho sentido para algunos que hacen apología del "arte de lo real" o el "arte de las ideas".
Sin embargo, la pintura o escultura figurativas se han mantenido vigentes a pesar de la vorágine vanguardista y post-vanguardista, porque simplemente creo que el arte que toma de la realidad la materia prima de su creación no se agota fácilmente. Yo creo que la observación va a seguir siendo la herramienta primigenia de toda creación artística, y considero muy dificil pensar crear arte solamente a partir de las propias ideas, esas ideas tiene que ser enriquecidas y el vehículo para ello es la observación, pero una observación sensible a través de una vivencia plena del mundo.
Así, que la iniciativa de esta Fundación me parece muy importante, porque da la oportunidad a muchos artistas que probablemente durante mucho tiempo han trabajado silenciosamente, alejados de los circuitos oficiales, bienales o no eran del agrado de ciertos críticos y curadores, de salir a la luz y recibir el reconocimiento merecido, además, se potencia la creación de colecciones de arte que sirvan de verdaderos referente a futuras generaciones.
Diego Velázquez: La Venus del espejo. Óleo sobre lienzo, 122.5 x 177 cm. Londres, National GalleryFoto: El Cultural
Aquí dejo un enlace para quienes estén interesados en disfrutar en forma "virtual" de la exposición de Velázquez en el Museo de Prado titulada: Las Fábulas de Velázquez yque forma parte de los eventos de la ampliación del museo.
Gracias a la Internet podemos en cierta forma disfrutar de este tipo de eventos a la distancia, aunque quien no daría por disfrutarlos en persona y en el lugar.
Les copio el enlace donde se puede visitar la exposición:
Los invito a visitar mi nuevo blog, que se llama "Mujeres pintoras",
donde iré incluyendo semanalmente la biografía y obras de pintoras que
no figuran en la mayoría de los libros sobre arte, y que recién ahora
se pueden encontrar en algunos trabajos de revisión. Por citar un
ejemplo, Ernst Gombrich no creyó necesario incluir ninguna mujer
pintora en su libro de Historia del Arte, considerado uno de los más
importantes dentro de la bibliografía sobre el tema. Durante el
transcurso de toda mi carrera de licenciatura en Artes Visuales,
ningún profesor o profesora nombró a alguna de las artistas pintoras
que voy a ir presentando semanalmente (sólo llegamos a ver un video de
Frida Kahlo).
Espero que les interese el trabajo. Aclaro que no tengo nada en contra
de los hombres (ja ja) pero me parece bueno hacer este trabajo de
difusión. A todas las pintoras que deseen figurar en la lista de
enlaces, y a todos los que quieran recibir en su correo semanalmente
la invitación a una nueva entrada, les agradeceré que me escriban a:
piccardoandrea@...
Eso me ayudaría mucho a agilizar la difusión. Cualquier aporte es
bienvenido.
http://mujerespintoras.blogspot.com
Saludos cordiales
Andrea
Nuestra radio (www.radioaxioma.com.ar) esta dedicada a la difusión y análisis de las expresiones culturales de los pueblos como la pintura, teatro, cine, arte literatura, y música.
Aquí les envío un loco formato de pseudo humor político (jocoso dramático) que nos acompaña cada miércoles "en vivo" dando a conocer su última producción, que tiene el equivalente contenido desde hace casi 100 años.
Hoy presentamos en BAR DE RADIO "Cocina de los próceres… que trata de los de arriba-conductivamente hablando- pues los mandatarios de hoy serán los próceres del mañana, o no?
Espero regalarles una sonrisa, aunque el tema no sea para divertirse.
Un especial saludo.
Daniel Diaz
(Para aquellos que deseen escuchar el programa linkear en la barra:
Hoy será imperdible el programa de radio on line que presenta nuestra querida y enorme escritora Granadina, en la persona de doña Mara Romero Torres que entre otras cosas lleva la dirección de la emisora aludida -con éxito germinal- a lo largo del Mundo, también es la autora de la novela "Los Lagos del Cielo"
Actualmente de visita en la Argentina lugar de donde se ha provisto material para sus próximas obras literarias.
Presenta su programa de hoy: El Tablao de Mara será un homenaje a los Plateros y al idilio analógico que existe entre el flamenco y el tango, también con un invitado de lujo...En fin para escuchar y recomendar.
---------- Forwarded message ---------- From: Miguel-Anxo Varela Diaz <anxova@...> Date: 21-nov-2007 3:14
Subject: Re: [teladepintor] Plantean hacer la Bienal de Sao Paulo sin obras To: Adriana Villagra <adrianavil7@...>
Es la consecuencia lógica de los estúpidos planteamientos ¿estéticos? en los que se basa el anti-arte. Acostumbrados ya a considerar como arte las ideas, lo consecuente es que desaparezca todo rasgo de arte para exponer sólo ideas. Es absurdo, pero es a lo que lleva seguir posturas extremas y basadas en argumentos absurdos. Mi humilde opinión -que expongo en mi blog de arte- es que o dejamos que se termine de agotar y suicidar el anti-arte y esperamos a que la gente hagla tabla rasa para que el Arte pueda volver a ocupar el lugar que el anti-arte le ha usurpado, o lo combatimos desde ya mismo y terminamos de extirparlo, posibilitando que el ridículo de los que ya se han comprometido sea menor. Lo que es evidente es que ya no convence ni a sus propios defensores.
¿Que opinan de esta noticia y esta postura? la leí hoy y ciertamente llamó mi atención. ¿Suena factible plantear un evento tan importante y mundial como es la antigua y tan famosa bienal de Sao Paulo sin obras? ¿o podríamos decir que claramente es un reflejo de lo que se vive en el arte actual? una crisis de artistas y obras que obliga a eventos como éste a hacer un alto y plantear su postura....
No sé, pero para mi, la bienal es un mega-evento concebido como espectáculo mediático. Tuve la oportunidad de asistir a la bienal (en caracter de turista) en el año 2002 y tengo que admitir que no vi nada que despierte profundamente mi interés. Alguna que otra pintura por ahí pero abundaban las instalaciones y "nuevos medios" (aclaro que no tengo nada en contra de las instalaciones, es más, he encontrado alguna que ha llamado mi atención). Pero eso sí, la bienal me tuvo un sabor más bien a lo que sería un "freak show" como se diría en inglés o una especie de festival de rarezas y extravangancias y no como un evento cultural destinado a brindar una educación estética que posibilite el desarrollo de la sensibilidad del público hacia las manifestaciones artísticas.....
No me explayo más, les copio la noticia aquí abajo para que la lean....
El brasileño
Ivo Mesquita, recién nombrado director artístico de la 28 edición de la
Bienal de São Paulo,a celebrar entre el 19 de octubre próximo y el 30 de noviembre de 2008bajo el título "Em vivo contato" (En contacto directo), acaba deanunciar que este evento artístico, considerado como el mayoracontecimiento de las artes plásticas de América Latina y la segundabienal más antígua tras Venecia, carecerá de obras de arte paracentrarse en una reflexión sobre el momento del arte actual. "La bienal-ha dicho Mesquita- responde a un modelo de exposición del siglo XIX yestamos en el XXI. No creo que este modelo esté agotado, pero necesitauna profunda revisión". No habrá, pues, obras de arte en el edificioconstruído por Niemeyer, aunque sí se podrá consultar una extensabiblioteca con la historia de las ediciones anteriores, desde laprimera en 1951, así como información sobre las cerca de 200 bienalesque se celebran actualmente en el mundo.
Mesquita,curador y crítico independiente, ha trabajado como curador en lasúltimas cuatro Bienales de Sao Paulo y es, además, director del
Museu de Arte Moderna de São Paulo.El anuncio está provocando una fuerte polémica en toda Latinoamérica,donde artistas como el chileno Mario Navarro, el único artista localque participó en el evento paulista en 2006, ha señalado a
El Mercurio,que "las obras son esenciales, una bienal sin ellas no funciona y siquieren destinar este evento sólo a reflexionar o al estudio entreartistas, indudablemente que el público se va a cansar". En las últimasediciones, la bienal ha atraído a una cifra proxima al millón devisitantes. Por contra, responsables museísticos como el tambiénchileno Patricio Muñoz Zárate (asistente de dirección del Museo deBellas Artes) señala que "acá lo que hay es una crisis y en esecontexto, la Bienal São Paulo debe replantearse, me parece bien estadecisión, para analizar qué pasará a futuro, si se sigue justificandoen el siglo XXI un evento en un recinto cerrado, como si fuera un museomás". Coincide con él, Francisco Brugnoli, director del Museo de ArteContemporáneo, quien apueta por una reformulación del evento,preguntándose si "con la llegada de internet y las nuevas tecnologías,¿se justifica seguir en este formato?".
-- Miguel-Anxo Varela Díaz
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¿Que opinan de esta noticia y esta postura? la leí hoy y ciertamente llamó mi atención. ¿Suena factible plantear un evento tan importante y mundial como es la antigua y tan famosa bienal de Sao Paulo sin obras? ¿o podríamos decir que claramente es un reflejo de lo que se vive en el arte actual? una crisis de artistas y obras que obliga a eventos como éste a hacer un alto y plantear su postura....
No sé, pero para mi, la bienal es un mega-evento concebido como espectáculo mediático. Tuve la oportunidad de asistir a la bienal (en caracter de turista) en el año 2002 y tengo que admitir que no vi nada que despierte profundamente mi interés. Alguna que otra pintura por ahí pero abundaban las instalaciones y "nuevos medios" (aclaro que no tengo nada en contra de las instalaciones, es más, he encontrado alguna que ha llamado mi atención). Pero eso sí, la bienal me tuvo un sabor más bien a lo que sería un "freak show" como se diría en inglés o una especie de festival de rarezas y extravangancias y no como un evento cultural destinado a brindar una educación estética que posibilite el desarrollo de la sensibilidad del público hacia las manifestaciones artísticas.....
No me explayo más, les copio la noticia aquí abajo para que la lean....
El brasileño Ivo Mesquita, recién nombrado director artístico de la 28 edición de la Bienal de São Paulo,a celebrar entre el 19 de octubre próximo y el 30 de noviembre de 2008bajo el título "Em vivo contato" (En contacto directo), acaba deanunciar que este evento artístico, considerado como el mayoracontecimiento de las artes plásticas de América Latina y la segundabienal más antígua tras Venecia, carecerá de obras de arte paracentrarse en una reflexión sobre el momento del arte actual. "La bienal-ha dicho Mesquita- responde a un modelo de exposición del siglo XIX yestamos en el XXI. No creo que este modelo esté agotado, pero necesitauna profunda revisión". No habrá, pues, obras de arte en el edificioconstruído por Niemeyer, aunque sí se podrá consultar una extensabiblioteca con la historia de las ediciones anteriores, desde laprimera en 1951, así como información sobre las cerca de 200 bienalesque se celebran actualmente en el mundo.
Mesquita,curador y crítico independiente, ha trabajado como curador en lasúltimas cuatro Bienales de Sao Paulo y es, además, director del Museu de Arte Moderna de São Paulo.El anuncio está provocando una fuerte polémica en toda Latinoamérica,donde artistas como el chileno Mario Navarro, el único artista localque participó en el evento paulista en 2006, ha señalado a El Mercurio,que "las obras son esenciales, una bienal sin ellas no funciona y siquieren destinar este evento sólo a reflexionar o al estudio entreartistas, indudablemente que el público se va a cansar". En las últimasediciones, la bienal ha atraído a una cifra proxima al millón devisitantes. Por contra, responsables museísticos como el tambiénchileno Patricio Muñoz Zárate (asistente de dirección del Museo deBellas Artes) señala que "acá lo que hay es una crisis y en esecontexto, la Bienal São Paulo debe replantearse, me parece bien estadecisión, para analizar qué pasará a futuro, si se sigue justificandoen el siglo XXI un evento en un recinto cerrado, como si fuera un museomás". Coincide con él, Francisco Brugnoli, director del Museo de ArteContemporáneo, quien apueta por una reformulación del evento,preguntándose si "con la llegada de internet y las nuevas tecnologías,¿se justifica seguir en este formato?".
¡Muy interesante el artículo, Adriana! Realmente, es para tenerlo en
cuenta. La verdad, a mí me cuesta bastante hacer un registro de mis
obras, escribir algo a mano y guardarlo en un lugar donde pueda
conservarse en mi casa es casi imposible, ja ja. Pero sí hago lo
posible por guardar registros en la computadora, que se ha convertido
en mi segundo cerebro (no sé qué haria sin ella).
¡Saludos cariñosos para todos!
Andrea
Este artículo lo consideré sumamente importante para todos aquellos artistas que aspiran a buscar la permanencia de sus obras en el tiempo. Trata del tema de la importancia que tiene la práctica de la documentación y registro de las obras que uno va creando como parte del trabajo diario de cualquier artista.
Este artículo fue escrito originalmente en inglés y publicado en la revista "American Artist". Quiero aclarar que no soy traductora profesional, pero traté de traducir y adaptar lo mejor posible este artículo al español de tal forma que resulte entendible. Quienes hablen inglés les recomiendo leer el artículo en el idioma original que puede encontrarse en esta dirección:
Autenticación y Documentación del Trabajo Artístico
El Taller del Artista, oleo sobre lienzo, Gustave Courbet, 1855; Musée d'Orsay, Paris.
Por Peter Ouyang
Muchos artistas conocen los percances que producen el uso de materiales de mala calidad y los daños que ocasionan a sus obras, sin embargo muchos no prestan suficiente atención a otro tipo de amenazas que puedan afectar la calidad y valor de su obra en el futuro. La principal amenaza es la falta de documentación acerca de lo que crearon, cómo realizaron el trabajo y cómo desarrollaron su carrera. Estas consideraciones afectan la validez, la comercialización y valor potencial de una obra de arte. Existen casos notables de artistas con gran cantidad de obras que han sido examinados, expuestos y estudiados con mucho detenimiento pero que todavía están en disputa debido a una descuidada documentación y los problemas de autenticidad derivados de esto. Por ejemplo, la vigente disputa sobre las pinturas realizadas por Jackson Pollock tal vez nunca se resuelva porque el artista no firmó ni documentó gran parte de su trabajo.
Autenticando las obras de arte
Los artistas pueden ahorrarse problemas derivados de la autenticación tomando en cuenta la importancia que tiene la documentación para la validez de su trabajo. Siempre hay un aspecto personal relacionado al arte y los coleccionistas valoran sus asociaciones con artistas vivos y aprecian el legado que dejan aquellos que ya han fallecido. Por esta razón, es importante para los artistas tener una documentación de su trabajo para salvaguardar su futuro y los intereses de sus coleccionistas o mecenas. "Cuando un artista se toma el tiempo en desarrollar una documentación de su trabajo, demuestra que toma su trabajo con seriedad, lo trata con respeto y actúa responsablemente" dice Meter M. Fairbanks, presidente y co-propietario de Montgomery Gallery en San Francisco. "Picasso era un hombre de negocios que produjo documentaciones meticulosas lo cual favoreció su rentabilidad. Robert Motherwell también fue muy cauteloso al seguirle el rastro a sus pinturas."
La experiencia de Fairbanks al frente de una galería que se especializa en arte del siglo XIX y XX, así como en pinturas de los grandes maestros, lo convierte en una persona meticulosa en lo que se refiere a la importancia de mantener una buena documentación del trabajo de un artista. "Hay artistas norteamericanos que realizaron una bitácora de sus trabajos, pero no documentaron sus ubicaciones", explica. "Por ejemplo, John George Brown (1831-1913) no mantuvo un registro de sus pinturas siguiendo un orden secuencial. Los archivos del Smithsonian muestran las bitácoras de artistas norteamericanos, que son muy importantes para historiadores del arte que quieren rastrear la existencia de una pintura o para artistas contemporáneos que quieran ver como las obras de artistas del pasado han sido documentadas."
Un factor esencial en la autenticación del trabajo es asegurarse que los materiales empleados para firmar las obras o para escribir comentarios adicionales sean perdurables. Anotaciones del puño y letra del artista, no solamente son valoradas por coleccionistas sino son esenciales para académicos que investigan la vida y obra de un artista, así que asegurar la permanencia de la firma es imperativo en este proceso. Los artistas deberían firmar su trabajo cuando todavía la pintura está fresca, escribiendo la firma al dorso con una fecha. Usando una tinta indeleble, resistente al agua y a los químicos, así como también papel libre de acido o PH neutro los artistas pueden asegurar que sus firmas y escritos durarán por generaciones.
Más allá de la larga duración de la firma, algunos artistas buscan establecer vínculos sólidos entre generaciones de creadores y coleccionistas mediante diarios personales escritos a mano que describen, siguiendo un orden cronológico, las motivaciones para crear una obra, experiencias de vida significativas, relaciones que involucran el trabajo o lugares donde han habitado. También es una buena idea registrar las fechas y lugares de las exposiciones, coberturas periodísticas y tal vez fotografías del artista y las obras en la exposición. El hecho de crear una lista de coleccionistas, patrones o mecenas que compraron una obra de arte (que incluya el nombre, fecha, galería/lugar de exposición y localización de la obra) también es un paso importante hacia la creación de un seguimiento cronológico y documentación de una obra en particular.
Muchos artistas contemporáneos utilizan medios más modernos para organizar y preservar su trabajo artístico, incluyendo fotografías de sus pinturas para después organizarlas en un portfolio con epígrafes o comentarios; o el almacenamiento de archivos digitales en sus computadoras en carpetas con nombres descriptivos que indiquen la temática, la técnica y el año de creación. Cuestiones referentes a la larga duración también deben ser consideradas en estas instancias: con respecto a las fotografías, aquellas que son en blanco y negro tomadas con películas que poseen sales de plata duran más que aquellas a color; y si se utilizan archivos digitales, lo mejor es grabarlos en CD-ROMS que tienen dorado al dorso. Algunos artistas incluso utilizan un microchip adherido a una obra de arte y si se considera esta opción, es importante verificar el tiempo de vida útil de acuerdo al ambiente en el que será utilizado.
El Proceso de Verificación: Académicos, Firmas y Ciencia
La procedencia y el "catalogue raisonné" (expresión francesa que se usa para designar al inventario más completo que puede haber de las obras de un artista incluyendo localización y propietarios) son dos términos importantes utilizados por teóricos del arte o tasadores relacionados a la autenticación de un obra de arte. La procedencia se refiere al historial de quienes han tenido la obra en su poder y los detalles de cuando fue creada, sus dimensiones, fechas de adquisición y venta. Los estudiosos del arte compilan fotografías, documentación y la procedencia del trabajo de un artista (aún cuando la pieza esté perdida o dañada) para crear un "catalogue raisonné". Estos catálogos se constituyen en la referencia fundamental de la vida y obra de un artista.
Si una obra no está firmada o si la autenticidad está en duda, deberá llevarse a cabo una investigación exhaustiva para determinar quien creó la obra. Aunque los tasadores pueden detectar inconsistencias en una obra de arte, generalmente no son considerados como autoridades a la hora de determinar la autenticidad de una obra de arte. De hecho, no se puede recurrir a un solo especialista a la hora de determinar el creador de una pintura, sino más bien es un trabajo de equipo entre varios investigadores y expertos en la materia. El esfuerzo de este grupo puede involucrar la pericia e investigación de académicos o teóricos del arte, científicos, analistas de firmas entre otros.
Durante este proceso de verificación, un teórico del arte, primeramente inspeccionará visualmente la obra para determinar el estilo artístico y el método empleado, determinando cuando fue creada la obra aproximadamente y si la firma refleja ese mismo periodo. "Los elementos históricos de una obra corroboran la época", explica Fairbanks. "Me fijo en el estilo de la vestimenta, el diseño de los muebles, los paisajes, la arquitectura, todos estos elementos indican el periodo de tiempo y la localización geográfica en la cual se realizó una pintura". Si una obra de arte no está firmada o la firma está en duda, un analista de firmas se encargará de la investigación de las firmas del artista a lo largo de su vida.
Inicialmente, el analista de firmas determina la ubicación y fluidez de la firma, así como la coherencia de la misma dentro de la pintura. Esta verificación visual incluye fijarse en fechas que puedan estar registradas o escrituras a mano que puedan encontrarse en las obras. "Me fijo en la firma en función al contexto del estilo del artista", remarca Heidi Harralson, examinadora certificada de la consultora Spectrum Consultants. "La firma de un artista puede ser expresiva y estilizada como su trabajo -si su trabajo es detallado, su firma tendrá muchos detalles tambien". Durante la examinación de las obras de Frida Kahlo, Harralson investigó y comparó escritos en su diario, cartas personales y frases encontradas en sus pinturas, así como escritos en cerámicas.
Los documentos revisados durante el proceso de certificación de la firma pueden incluir transacciones financieras (como cheques, facturas, contratos) y correspondencia personal como cartas, diarios o notas. Diez a quince firmas son los mínimos requisitos para comparación y dentro del periodo de los dos años que comprende la creación de la obra. Los atributos de las firmas son comparados dentro de ese periodo de tiempo así como la técnica y otras firmas procedentes de la vida personal y financiera del artista. La firma de un artista confirma la autenticidad y puede establecer el periodo de tiempo en el cual fue creada la obra.
Exámenes científicos de los materiales empleados para crear la obra ayudan a determinar el periodo de tiempo en el cual fue creada, así como si es original o una reproducción, y si está conectada al artista. "La identificación de las pinturas basada en las propiedades cristalinas de las muestras de color, revela los pigmentos usados para crear la obra y cuando la obra pudo haber sido iniciada" menciona Joseph Barabe, investigador microscópico, director y experto en imagen científica de McCrone y Asociados y es el que lideró el grupo de científicos que investigó el codex del Evangelio de Judas. "Si encontramos que los materiales no estaban disponibles en el momento en que el artista pintó la obra, entonces la autenticidad es puesta en duda. El material científico sólo apunta a la autenticidad; los elementos históricos, estilísticos y la procedencia también son elementos esenciales y el análisis de la firma también tiene una importancia significativa".
Las medidas científicas usadas para examinar obras de arte pueden ir desde la más simples a las más complejas; habitaciones con luz brillante, iluminaciones para estudiar la superficie y luz ultravioleta para estimular la fluorescencia. La reflectografía infrarroja puede mostrar dibujos en las capas inferiores y los rayos X pueden mostrar las capas iniciales de pinturas. También pueden tomarse muestras de la pintura y analizarlas mediante un microscopio de luz polarizada (PLM) o un microscopio electrónico de barrido (SEM) con espectrómetros para análisis elementales. Otros instrumentos de análisis usados comúnmente incluyen infrarrojo y espectrocopía Raman y difracción por rayos X.
Procesos de documentación apropiados
"A pesar que los Archivos de Arte Americano del Smithsonian no adopta una postura oficial o posee una guía con respecto al tipo de información que los artistas deben reunir sobre sí mismos y su trabajo", manifiesta Richard Manoogian, jefe de los servicios de referencias de la compañía, "nosotros los alentamos a conservar una cuidadosa y completa documentación de sus trabajos y carrera, de tal manera que resulte beneficioso a los estudiosos".
El proceso de autenticación puede tomar mucho tiempo, tanto como llegar a un acuerdo entre estudiosos del arte con respecto a los resultados de la investigación, la cual es llevada a cabo bien después de la vida del artista. Planificar y mantener un archivo puede evitar este proceso, reforzar la reputación de un artista y mantener una genuina conexión con la obra que fue creada para durar por generaciones. "Los artistas no son bibliotecarios o contadores; pueden no prestar atención a detalles referentes al seguimiento de sus obras y puede ser difícil introducirles el hábito de la documentación" dice Fairbanks. "Por esta razón, los artistas deben utilizar un sistema de seguimiento y documentación que les resulte lo más simple posible."
La escritura a mano acerca de la procedencia por parte del artista confirmando los detalles de la obra, constituye una de las fuentes de documentación más valoradas durante el proceso de autenticación. Los registros de un artista permiten certificar que su trabajo es genuino y refuerza la conexión del artista con el público, quien a su vez ayuda a coleccionistas o mecenas a sentir que el valor de la obra es justo. Un diario de memorias puede ser compartido por varias generaciones futuras y el uso de tintas indelebles y papelería que tengan resistencia en el tiempo, permiten que el artista pueda proveer permanente documentación. Iniciando estos procedimientos en el presente, un artista establece recursos para futuras transacciones con sus obras y permite que éstas se constituyan en bienes muebles que perdurarán por generaciones.
Un hecho singular llamó mi atención. Días atrás encontré por casualidad unos artículos viejos publicados en el New York Times sobre una exposición que realizó en Londres otro individuo que se autodenomina "artista". Multimillonario (no, este artista definitivamente no se "muere de hambre", como vulgarmente se dice), rompe records en las subastas y es célebre por crear instalaciones con animales en formol donde habla de la "poética" de la vida y la muerte. Pero; ¿que fue lo que llamó mi atención?. Pues que a este individuo se le ocurrió hacer una instalación en una galería donde su obra era literalmente "basura". Si asi es, era una instalación donde había ceniceros con colillas de cigarrillos, tazas de café semivacias, botellas de cerveza vacías entre otras cosas y el galerista puso un valor de seis cifras a eso manifestando: "Es un Demian Hirst".
Pero esto no es todo; ¿que pasó después? Sintéticamente fue esto lo que ocurrió: acabó la exposición y cuando vino el personal de limpieza, pues sencillamente tiraron la "obra" a la basura, porque el pobre hombre que cumplía con su trabajo respondió, que aquello "no lucía tanto como arte", así que tomó unas bolsas e hizo lo que tenía que hacer. A esto seguramente un crítico o algún otro "individuo" de la élite intelectual probablemente respondería que su nivel intelectual no estaba preparado para "entender" el arte contemporáneo.
Y esto me recordó a las palabras de Daisaku Ikeda sobre el arte:"hay que comenzar por disfrutarlo simplemente"; por qué hay que perder tanto tiempo en "entender"? ¿Acaso una obra como La Piedad de Miguel Angel, nos impresiona porque "entendemos"? La obra de arte está dirigida a los sentidos y es a través de los sentidos que realizamos el contacto con el arte de la misma forma que lo hacemos con el mundo.
A través de los sentidos aprehendemos. El arte contemporáneo llegó a un punto de extrema intelectualidad o fría racionalidad, que no necesariamente quiere decir que su contenido sea intelectual. Es decir, se volvió extremadamente abstracto y conceptual hasta el punto que la forma casi ha desaparecido y quien apela a la forma hoy en día para comunicar algo, directamente es considerado un anticuado. Y este tipo de situación sin ninguna duda promueve el desarrollo de un esnobismo crónico, porque quien admite que no entiende una obra de arte contemporánea, corre el riesgo de parecer poco inteligente, así de simple.
Entonces esto genera una nueva categoría estética: lo interesante. Si; porque decir de una obra de arte contemporánea que es bella no queda bien. Hoy en día no hay obras "bellas" hay obras "interesantes". La belleza es una categoría estética propia de las obras clásicas, no de las contemporáneas, hoy sólo existe lo interesante. Y por eso en las bienales y exposiciones de arte contemporáneo el comentario que sale de la boca e la gente es: "¡que interesante!". Dudo mucho que una obra de Vermeer, Velázquez, Bouguerau, o Corot (que ilustra este escrito) pueda ser calificada únicamente como "interesante".
Y mi postura tampoco es el de una persona que piensa que todo "tiempo pasado siempre fue mejor", de ninguna manera. No soy de las que hacen culto al pasado ni a la moda "retro" con un espíritu de eterna nostalgia. El pasado es una fuente de aprendizaje para el presente, porque todo pasado en algún momento fue presente y yo parto del principio que hay presentes que trascienden y presentes que no. Cuando un tiempo presente trasciende, podemos decir que estamos haciendo historia y al hacer historia se crea tradición y por consiguiente la cultura se enriquece, se renueva y prepara el sustrato necesario para que futuras generaciones encuentren un punto de partida y hagan su aporte. La tradición es lo que permite que algo se perpetúe en el tiempo. Si profeso una admiración por el arte del Renacimiento, el Barroco o el arte del siglo XIX es porque esos "presentes" han sido definitorios y han conseguido insertarse en el mundo para crear una continuidad en el tiempo y testimonio de ello han sido las obras de arte que hoy en día se constituyen en un registro viviente de esa época.
Y muchos dirán de nuestro presente: así es la época en que vivimos; todo es volátil, todo es efímero, nada es trascendente, que el arte es reflejo de su tiempo, etc, Si, así es pero agrego algo: lastimosamente. Si, lastimosamente todo es efímero, nada es constante, todo es vivir el presente sin dejar nada para la posteridad. ¿Y quien dijo que no se deba disfrutar el presente? El problema es que muchos artistas hacen abuso de este principio, al fin y al cabo es más fácil y muchas obras reflejan ese espíritu "light" tan de moda; todo se busca hacer con el mínimo esfuerzo, reducir los costos y generar la mayor cantidad de ganancia. Hay una obsesión por el estrellato.
Soy de las que piensan que hay que disfrutar el presente sin obsesionarse por el futuro, pero, uno se da perfectamente cuenta cuando lo que realiza es susceptible de trascender o no. Creo firmemente que si uno pone amor, entrega y vive ese presente en toda su intensidad, seguro será una experiencia trascendente sin necesidad de proponérselo. Porque en ese presente está entregando su alma, y al entregar el alma es cuando se crea arte de verdad, es ahí cuando se puede hablar de una poética de la vida; cuando el alma del artista entra en contacto con el alma del mundo.
Como parte del programa inaugural de su ampliación y con el patrocinio de AXA Winterthur y la colaboración de la Comunidad de Madrid, el Museo del Prado presentará la exposición "Fábulas de Velázquez", primera muestra que explora y profundiza en la faceta del maestro sevillano como pintor de historia. La exposición reunirá 28 obras de Velázquez junto a otras 24 de diecisiete artistas diferentes que permitirán al público apreciar el contexto creativo en el que el sevillano realizó algunas de las pinturas más significativas de su carrera. Entre las obras de Velázquez que podrán admirarse en la exposición se incluyen 12 préstamos, como la Venus del espejo, procedente de la National Gallery de Londres, una de las obras más emblemáticas del artista que se conserva fuera de España.
Las 52 obras reunidas en la exposición abarcan temas que proceden de la historia sagrada, la mitología o el mundo antiguo, en un afán por describir la originalidad que Velázquez alcanzó en los mismos, su extraordinaria versatilidad técnica y la evolución de su arte en las más de cuatro décadas de su carrera. Para ello, las 28 obras de Velázquez se enfrentan con otras 24 de artistas diferentes describiendo de manera general la respuesta del artista a los estímulos creativos externos. Entre estas últimas, figuran sendas esculturas de Martínez Montañés y Gregorio Fernández, pinturas de autores anteriores como Tiziano y Caravaggio, obras de los grandes artistas españoles de su generación y la anterior, como el Greco, Ribera y Zurbarán; y piezas de los principales pintores extranjeros en activo cuya obra conoció y en algún caso le influyó como el flamenco Rubens, los franceses Poussin y Claudio de Lorena o los italianos Guercino, Guido Reni o Máximo Stanzione.
La selección velazqueña estará formada por las composiciones de Velázquez de carácter sagrado o mitológico que conserva el Prado, junto a otras importantes pinturas del artista como Cristo en casa de Marta y María, Inmaculada Concepción y San Juan Evangelista, de la National Gallery de Londres; San Pablo del MNAC; La cena en Emaús, de Dublín; La túnica de José de El Escorial (que se podrá ver junto a La fragua de Vulcano); o La tentación de Santo Tomás, de Orihuela.
Entre las obras de otros autores presentes en la muestra cabe destacar El triunfo de David de Poussin, San Juan Bautista de Martínez Montañés; José y la mujer de Putifar de Guido Reni; Demócrito de Ribera; Inmaculada Concepción de Alonso Cano; o Heráclito de Rubens.
Con esta propuesta, en la que las obras velazqueñas compartirán protagonismo con las de los grandes artistas que fueron para él no sólo fuente de inspiración sino también un punto de partida del que distinguirse, el público podrá advertir como las obras de Velázquez difieren en su tratamiento pictórico de las de artistas anteriores e incluso contemporáneos suyos a pesar de las similitudes. Para ello, algunas de sus obras más representativas se mostrarán emparejadas con las de otros grandes artistas de temática similar, como Los borrachos y Joven con cesto de frutas de Caravaggio, la Venus del espejo y Las tres Gracias de Rubens, o Cristo crucificado y el Cristo yacente del escultor Gregorio Hernández.
"Fábulas de Velázquez. Mitología e historia sagrada del Siglo de Oro" 20 noviembre – 24 febrero 2008 Comisario: Javier Portús 52 Obras Edificio Villanueva (acceso desde Sala de las Musas) Con el patrocinio de AXA Winterthur y la colaboración de la Comunidad de Madrid
El sábado asistí a la exposición de Camille. Deciros que es una artista
(y una obra) muy inspiradora, llena de fuerza creativa e intensidad y
no exenta de una dramática condición personal vital, a la que se añade
nuestra mirada conocedora de su drama existencial.
Por lo que ví, creo que sin duda ella fue, "es", la fuerza creativa, el
impulso generador, la (permitidme) "expresadora"... de la que se valió
y se aprovechó Rodin y a la cual, por supuesto, se esforzó por ocultar
y ningunear hasta sus últimas consecuencias. En fin, artista de los
pies al alma.
De todos modos tengo que volver porque justo antes de entrar tuve una
caida en la escalera que se convirtió en un doloroso esguince agudo en
mi pie izquierdo... si bien a pesar del dolor, antes de ir al hospital
y escayolarme....me empeñé en ver la exposición, lo cual, ahora,
pensándolo bien, quizás me acercó un poco más a Camille.
¡¡Besos y abrazos!!
Camile Claudel: Una escultora que merece un reconocimiento
L'age mûr (La Edad Madura). 1894-1900
Camile Claudel probablemente es otra artista que no recibió la atención que se mereciera, sin embargo muchos expertos destacan la importancia que ha tenido su obra y sus aportes a la escultura.
Su vida tormentosa resultó más interesante que su propia obra, probablemente relegando sus aportes y su sensibilidad artística a un segundo plano. A continuación comparto una noticia que me pareció interesante sobre la primera muestra en España sobre Camile Claudel, una retrospectiva de su obra.
También les paso la dirección de la Asociación Camile Claudel http://www.camilleclaudel.asso.fr/ que se dedica a difundir la obra y aportes de esta artista. El sitio está en francés, pero para quienes no hablen francés les sugiero se den una vuelta en la sección "Sculptures" para poder ver las obras que realizó a lo largo de su vida.
MADRID .- La historia de su tortuosa vida ha eclipsado la importante aportación a la escultura de Camille Claudel, alumna y amante de Rodin. La Fundación Mapfre dedica la primera exposición que se organiza en España sobre la totalidad de su obra.
Cerca de un centenar de esculturas , que se complementan con fotografías, documentos y apasionadas cartas entre Camille y Rodin, forman una muestra única. Singular ya que, además de ser la primera que se organiza en nuestro país sobre la escultora francesa, se trata de su exposición más completa , al haberse reunido todas las obras de la artista, que se encuentran en diferentes colecciones.
El hecho de ser una artista complicada, rodeada de leyenda, ha provocado que la faceta de Camille Claudel (1864-1943) como artista quedara eclipsada, por lo que el objetivo de las comisarias, Aline Magnien, jefa de colecciones del Museo Rodin, y María López Fernández, ha sido incidir en su aportación a la escultura .
Los préstamos realizados por la familia Claudel, los de colecciones públicas y privadas y, en particular, los del Museo Rodin de París -donde viajrá posteriormente la muestra- han permitido organizar una retrospectiva "muy importante" para la Fundación Mapfre , según ha afirmado su director, Pablo Jiménez. Éste ha destacado que, a pesar de tener una producción corta, Camille hizo una obra de gran intensidad y delicadeza "adelantándose a lo que será la escultura contemporánea" .
Entre las obras que componen la exposición se encuentran varias escayolas y barros, "difíciles de transportar y que debido a su delicadeza en muy pocas ocasiones se prestan", ha afirmado el director de la Fundación. Para él, "es la gran exposición sobre Claudel, en la que se rescata a una de las grandes escultoras del cambio de siglo y uno de sus grandes personajes", artista inadaptada, sólida e independiente que revolucionó el papel de la mujer artista en un mundo de hombres.
Las obras hablan por sí mismas
El recorrido de la exposición se inicia presentando al personaje, a través de cartas, fotografías y documentos. "Queríamos que las obras de Camille hablaran por sí mismas y nos contaran la historia", y por ello se muestran a continuación los retratos de familia realizados por la escultora, para continuar con los creados cuando entró en el taller de Rodin, en los que se ve como las obras de ambos se confunden.
En esta etapa, Claudel esculpió una de sus obras más importantes, 'Sakountala' , que se muestra en la exposición en los diferentes materiales y versiones que hizo, "cuyos pasos siempre se empeñó en controlar ella misma. En su búsqueda frenética de la originalidad avanzó mucho en la escultura de la época e innovó mucho".
Rodin además de a Camille estaba unido a otra mujer, a la que nunca se planteó dejar, ni siquiera cuando la escultora se quedó embarazada de un hijo que nunca llegó a nacer. Los celos amorosos y artísticos minaron la relación y la rivalidad entre ambos fue creciendo hasta romper en 1898.
En sus últimos años junto a Rodin, desarrolló su verdadera personalidad a través de grupos de obras que la consagran definitivamente. Las diferentes versiones de 'La valse' o de 'Le petite Châtelaine' se han convertido en sus piezas más representativas de este periodo, junto a otras como 'Clotho' , 'Les causeuses' o 'La vague' .
La escultura 'La edad madura' materializa su ruptura con Rodin y es una de sus obras más famosas en la que se muestra "la enorme maestría y la exquisitez técnica que alcanzó su escultura" a la vez que se convierte en testimonio del desgarro físico e intelectual que supuso su ruptura con el escultor.
Tras encerrarse en su estudio, en 1905 empezó a sufrir crisis y en 1913 su familia la ingresó en un psiquiátrico donde estuvo 30 años hasta su muerte.
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"El convenio incorpora al registro de internet signos y letras de la lengua española y las cooficiales de las Comunidades Autónomas MADRID, 05 (EUROPA PRESS) - La 'ñ', la 'ç', las tildes y la 'ele geminada', propia del catalán, se pueden utilizar desde hoy en los dominios web gracias a un convenio que la Real Academia Española (RAE) y la entidad Red.es han firmado esta mañana, que incorpora al registro de internet signos y letras de la lengua española y las cooficiales de las Comunidades Autónomas".
Ya podemos expresarnos de manera más completa y personal en la red todos los que tenemos el español como lengua común. Se acabó por fin con una gran injusticia lingúística e imposición social anglosajona.
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La Sensibilidad Adormecida La Lechera ( Die Küchenmagd ). Jan Vermeer. 1658-60
Quiero rescatar del mensaje de Andrea una expresión que llamó particularmente mi atención; cuando se refería a un "espectador de sensibilidad adormecida" .Eso sin ninguna duda contribuye a que espectáculos donde predominen el escándalo, el morbo, o la violencia (como el de Vargas Habacuc) cobren protagonismo dentro de las propuestas visuales que pululan hoy en día insertándose en la estructura mental del espectador para tornarse en una suerte de "escuela estética", donde las emociones sensibles y trascendentes se adormecen solapadas por emociones directas y sin trascedencia como el impacto, lo agresivo o escandaloso.
Esto lleva a crear una dependencia de aquellas emociones que requieren instantaneidad para su disfrute, haciendo culto a un hedonismo desmedido. Entonces su cultura estética se rige por patrones que requieren inmediatez para el disfrute y lo trascendente queda totalmente en un segundo plano o directamente sin valor. Y por ello, una buena pintura, una pieza musical o la lectura de un libro no resultan interesantes porque son experiencias estéticas que requieren un espacio de tiempo para su disfrute o asimilación y por consiguiente devienen experiencias aburridas y sin sentido para quien busca la inmediatez.
Permítanme un ejemplo tan de moda: los reality shows. ¿Se puede hablar de una poética de lo cotidiano en un programa de este tipo? ¿Hay una experiencia estética trascendente en ver como se desarrolla la vida de unos cuantos individuos en un tiempo y espacio específicos sin sentido? ¿Se puede comparar la experiencia estética que otorga este tipo de "shows" con aquella experiencia vivida ante una pintura de Jan Vermeer, por ejemplo, en cuya obra lo cotidiano ha sido un tema recurrente? Yo creo que no. Un reality show apela a lo momentáneo, a una experiencia primitiva donde se busca satisfacer aquellas experiencias estéticas primarias (una muestra de ello es la descuidada estética visual que se presenta en algunos); en cambio una obra de Vermeer apela a una reflexión, a una búsqueda de sentido a aquella cotidianeidad en la que todos estamos inmersos y una apreciación de aquellas cosas que tal vez olvidamos; devuelve una mirada renovada y por consiguiente la experiencia se vuelve trascendente.
Pero este culto a lo efímero y lo inmediato, no tiene por qué volverse un obstáculo para quien todavía hoy apuesta a la pintura, la escultura, el dibujo u otros medios o quien simplemente apela a buscar una experiencia estética trascendente a través de sus creaciones. Ningún artista o creador tiene que caer presa de aquello que la sociedad espera de el o ella, todo por dar el gusto y "encajar" según lo que un espectador, crítico o curador u otro artista espera. No hay que buscar la aprobación sino la satisfacción espiritual que se traduce en esa necesidad de comunicar un mensaje, una idea o un sentimiento. No se necesita tener la aprobación de "alguien" para ser artista, el artista es artista porque está dotado de una sensibilidad especial ante el mundo y una necesidad impetuosa de comunicar y expresarse, dejar un testimonio de vida y trascender; el estrellato no es el fin.
El verdadero artista es un humilde trabajador y servidor de aquella fuerza poderosa que no puede explicar y sin embargo no puede evitar extasiarse de ello. ¿Dios? ¿El universo? El nombre no importa; pero está ahí, para nutrir sus ideas, sus sentimientos y darle el impulso necesario para cuestionarse constantemente su existencia, el orden del mundo, una semilla, una flor, un ser vivo. Esa fuerza invisible pero majestuosa que impregna su alma y hace de su labor diaria y creativa una necesidad no una obligación.
Así, que amigos y amigas artistas…Adelante! Impregnémonos cada día de esa fuente inagotable de recursos que el mundo ofrece. Nutramos nuestros universos interiores y hagamos que nuestras obras sean realmente portadoras de mensajes que permitan mantener ese vínculo del "arte con la vida". No contribuyamos a seguir creando "consciencias dormidas", puede que resulte difícil la lucha, tal vez larga y tediosa, pero imposible: Jamás!. Toda acción emprendida con amor y entrega, tarde o temprano recibe su recompensa.
La notable escritora Granadina (Andalucía-España), llego a Buenos Aires por primera vez, pera editar su poemario "Al Calor de la idea" hablar EN RUEDA DE PRENSA de su último libro, "Los Lagos del Cielo" una novela imperdible publicada en la editorial Trafford, http://www.trafford.com/06-3255
Poner en funcionamiento su radio por Internet www.radioaxioma.com.ar , será una de las figuras convocante de cultura en El vigésimo festival del tango en Granada, en el teatro Isabel La Católica y además la propuesta de instalar en Argentina su propio Tablao de Mara.
Desde nuestra queridas comunidades de yahoo groups queremos agradecerle a la dirección de neurona (LA MEJOR NET WORK DEL MUNDO!!!) y a una gran cantidad de sus integrantes que han sumado su talento al de LA DAMA DE LUZ, que desde Granada muestra el liderazgo que mantiene España En El Mundo de la cultura, el arte y la poesía.
Gracias!!!
Daniel Díaz
Edición del Libro:
Los Lagos Del Cielo
Una carta de suicidio hace que Lidia emprenda un viaje desesperado, para ayudar a la única persona que ha amado en su vida.
Desde pequeña se rebela contra unos patrones de conducta, establecidos en su pueblo natal, que son reflejo de un sistema social que naufraga. A medida que va creciendo, desarrolla, a través de una entrega total a la amistad, su propia ley. El amor la llevará a defender una justicia sin límites que acabará por enfrentarla a un enemigo con el que no contaba.
En un viaje, consciente de su propia culpa, Lidia tripulará una nave que irá haciendo escala, desde el puente del recuerdo, en los puertos de la alegría, de la inocencia, del rechazo, de la sorpresa, del desequilibrio, del dolor, de la entrega, de la frialdad, de la traición, del inconformismo, de la pasión, de la fe... rompiendo unos esquemas que harán de éste, un viaje inolvidable.
Lidia descubre para el lector los viejos senderos de su vida que, tapados por la maleza del tiempo, llevan al paraje perdido donde dormita la razón de sus actos. Con una rebeldía incontrolable, se enfrenta a situaciones extremas en las que hará valer la única justicia que ella entiende, sin escatimar en medios para llevar a cabo sus venganzas. Y, con un lenguaje ameno, a veces conmovedor, a veces descarnado, que huye del eufemismo, se sumerge en una aventura que sacude los pilares del entendimiento, mientras van surgiendo en ella un cúmulo de sensaciones que la llevarán a no entender los límites del poder.
Acerca de la autora
Nació en Andalucía, en un pueblo de la provincia de Granada (España). Desde pequeña, sus grandes pasiones fueron la lectura y la escritura. Cursó estudios de Filología Hispánica en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Granada. Tiene varias novelas escritas y otros tantos poemarios, aún sin publicar.
Es titular de radio Axioma. Radio que ha nacido como una propuesta para unir las culturas de Habla Hispana y conseguir, mediante su difusión e intercambio, el avance hacia el conocimiento, la comprensión, el respeto y la solidaridad entre los pueblos: www.radioaxioma.com.ar
Yo ya firmé esa petición, Adriana, y también manifiesto mi repudio
hacia ese tipo de acciones y sobre todo a quienes pretenden
legitimarlas, gente a veces con la preparación necesaria para
discernir entre lo que es arte o un vulgar show mediático para llamar
la atención con el escándalo, o peor aún, entre lo que es una acción
artística y una acción criminal. Es verdad que hoy en día es difícil
llamar la atención sobre una problemática frente a un espectador de
sensibilidad adormecida por el bombardeo de información y violencia
cotidiano, pero creo que este tipo de acciones contribuye justamente a
que esto suceda, se suma a la cadena mediática y hace que la sociedad
termine aceptándolo como un espectáculo más.
Andrea
--- En teladepintor@..., "Adriana Villagra"
<adrianavil7@...> escribió:
>
>
> Los límites del Arte
>
>
> Bartolomé Esteban Murillo. El Joven Mendigo. Hacia 1950
>
> Recientemente me encontré con algo que produjo mi más absoluta
> repulsión. En una noticia leí como el "artista" (y
> nótese el uso de comillas) Guillermo Vargas Habacuc, presentaba en
> una galería de Managua su "obra de arte". Uno se
> preguntará: ¿una pintura?; ¿una escultura?; ¿alguna
> técnica nueva o innovadora?. Cierto, esto es el siglo XXI, existen
> otros soportes alternativos a la siempre vigente pintura, escultura,
> dibujo o cualquier otro medio tradicional; están los medios
> audiovisuales, las proyecciones, el net-art, entre otras cosas, en fin,
> hoy en día cualquier objeto puede ser arte y cualquiera que se
> proponga puede ser artista.
>
> Pero este "artista" no escogió ninguno de estos medios
> tradicionales o de vanguardia. Entonces; ¿en que consistió su
> obra? Pues simplemente su desbordante creatividad le llevó a utilizar
> como obra un objeto real, y en este caso, un perro, un ser vivo y lo
> mantuvo atado en una galería y lo dejó morir de inanición. Ese
> fue su "ready-made". ¿Su "concepto artistico"?
> Demostrar la hipocresía de la gente y presentar esto como una
> problemática social. Para mí la única problemática es la
> salud mental de este individuo y su distorsionada visión de la
> realidad y la justificación de un acto criminal utilizando el nombre
> del "Arte" para ello.
>
> Mi intención no es hacerles pasar un mal rato relatando esto, sino
> apuntar a una reflexión. ¿A que punto ha llegado el arte en estos
> tiempos de querer atentar contra la vida misma? O Mejor dicho; ¿a
> qué punto han llegado las personas que haciéndose llamar
> "artistas" recurren a actos criminales en nombre del Arte con la
> excusa de emitir un mensaje…al fin y al cabo el arte es un producto
> humano. Nos hemos maravillado con la genialidad de Velázquez y sus
> mensajes universales; hemos redescubierto obras maestras olvidadas por
> muchos historiadores. ¿Porque las obras del pasado siguen siendo
> grandes? ¿Porque cuando se nos pide que nombremos una obra maestra,
> en seguida acuden a nuestra mente un Leonardo, un Miguel Angel, Un
> Velázquez o incluso un Picasso? ¿Porque si trasladamos esa
> pregunta a esta época la dudamos tanto en responder? ¿Será que
> los "artistas" están escasos así como las obras de arte?
>
> Este hecho puntual y muchos otros que se suceden me trajeron a la mente
> las reflexiones del escritor vasco Ramiro de Maeztu, cuyas ideas
> estéticas han llamado mi atención. A continuación comparto una
> frase en particular:
>
> "…Ya no hay prestigios universales, ni apenas nacionales…Se
> prepara un academicismo internacional de lo feo y lo monstruoso,
> fabricado en serie…Lo que ocurre es muy fácil de explicar. La
> técnica artística se ha separado de los ideales humanos todo lo
> que ha podido…Al emanciparse (el arte) de la moral, renunció con
> ello a su misión de amor, y como la belleza produce el amor, se la
> declaró también innecesaria…El último tijeretazo es el que
> ha roto la vinculación del arte con la vida….Después de esta
> desolación espiritual que empuja a tantos artistas al culto de lo feo
> y lo monstruoso, las almas….pedirán a la belleza la verdad, toda
> verdad (porque sólo ella nos hará libres)…(Espero) que cada
> día encontrará menos defensores el pretendido derecho del artista
> a hacernos a amar lo odioso y u odiar lo amable"
>
> Nunca estuvo más acertado y de aquí rescato esta frase en
> particular: "la vinculación del arte con la vida" Se supone
> que el Arte está para brindar una experiencia estética desde lo
> cotidiano fuera de lo cotidiano. ¿Que quiere decir esto? Que el arte
> tiene esa poderosa cualidad de tomar lo ordinario y transformarlo en
> extraordinario y devolver una mirada renovada sobre el mundo. Sólo el
> arte es capaz de de convertir aquello más simple o cotidiano y
> hacernos descubrir su belleza, su dolor, su tragedia, su humor. Porque
> cuando se habla de experiencia estética, no quiere decir solamente
> algo "lindo" sino una experiencia vivida desde las emociones que
> pretende producir dentro nuestro una renovación del espíritu y
> convertir ese instante en un momento trascedente.
>
> Pero en el caso de Vargas Habacuc, donde está lo trascendente?
> ¿Dónde está ese vínculo del arte con la vida? Y por
> consiguiente; ¿donde está la Obra de Arte? Pues simplemente no
> existe, aquí sólo existe una persona ególatra, narcisista y un
> enfermo mental que ostenta el título de artista.
>
> Es una vergüenza que personas de este tipo utilicen el título de
> Artista y el de Obra de Arte para justificar un hecho criminal como
> éste. Pero es todavía más vergonzoso que existan personas para
> legitimar su trabajo cediéndole un espacio en una galería o centro
> cultural bajo la excusa del respeto a la "libertad creativa".
>
> ¿Y que hay del respeto a la vida y los valores humanos? La gente
> tiene que dejarse de ser tan "esnob" lo cual me recuerda el
> famoso cuento de Andersen "El Traje Nuevo del Emperador" que en
> mi infancia lo leí desde una postura de niña, pero cuando lo
> leí de vuelta, ya grande, me di cuenta que era más que un cuento;
> es una lección sobre una sociedad contemporánea que cae presa de
> los espejismos, los engaños y en aras de una pseudo-intelectualidad
> que legitima cualquier cosa como verdadera.
>
> Y a pesar de toda la porquería que puede existir hoy en día en el
> mundo del arte, yo conservo mi rayo de esperanza, porque sé que en
> algún rincón del planeta hay un/a artista, con una hoja en blanco
> en frente, o simplemente deleitándose ante la maravillosa fuente de
> inspiración que la naturaleza le regala cada día o ante el dolor
> humano, y quien silenciosamente y sin grandes pretensiones, se dispone a
> hacer uso de su oficio y sensibilidad para crear una obra, portadora de
> un mensaje de humanismo que perdurará en el tiempo.
>
> Finalmente, invito a todos a firmar la petición online para evitar
> que Guillermo Vargas Habacuc participe en la Bienal Centroamericana de
> Honduras en el 2008. Más de 186.000 firmas ya se han recogido en todo
> el mundo. Este es el link para firmar la petición:
> http://www.petitiononline.com/13031953/
> <http://www.petitiononline.com/13031953/> Hacer click donde dice: "Sign
> Petition"
>
> Gracias por su tiempo, pero no podía permanecer muda ante un hecho
> como éste.
>
> Adriana
>
Bartolomé Esteban Murillo. El Joven Mendigo. Hacia 1950
Recientemente me encontré con algo que produjo mi más absoluta repulsión. En una noticia leí como el "artista" (y nótese el uso de comillas) Guillermo Vargas Habacuc, presentaba en una galería de Managua su "obra de arte". Uno se preguntará: ¿una pintura?; ¿una escultura?; ¿alguna técnica nueva o innovadora?. Cierto, esto es el siglo XXI, existen otros soportes alternativos a la siempre vigente pintura, escultura, dibujo o cualquier otro medio tradicional; están los medios audiovisuales, las proyecciones, el net-art, entre otras cosas, en fin, hoy en día cualquier objeto puede ser arte y cualquiera que se proponga puede ser artista.
Pero este "artista" no escogió ninguno de estos medios tradicionales o de vanguardia. Entonces; ¿en que consistió su obra? Pues simplemente su desbordante creatividad le llevó a utilizar como obra un objeto real, y en este caso, un perro, un ser vivo y lo mantuvo atado en una galería y lo dejó morir de inanición. Ese fue su "ready-made". ¿Su "concepto artistico"? Demostrar la hipocresía de la gente y presentar esto como una problemática social. Para mí la única problemática es la salud mental de este individuo y su distorsionada visión de la realidad y la justificación de un acto criminal utilizando el nombre del "Arte" para ello.
Mi intención no es hacerles pasar un mal rato relatando esto, sino apuntar a una reflexión. ¿A que punto ha llegado el arte en estos tiempos de querer atentar contra la vida misma? O Mejor dicho; ¿a qué punto han llegado las personas que haciéndose llamar "artistas" recurren a actos criminales en nombre del Arte con la excusa de emitir un mensaje…al fin y al cabo el arte es un producto humano. Nos hemos maravillado con la genialidad de Velázquez y sus mensajes universales; hemos redescubierto obras maestras olvidadas por muchos historiadores. ¿Porque las obras del pasado siguen siendo grandes? ¿Porque cuando se nos pide que nombremos una obra maestra, en seguida acuden a nuestra mente un Leonardo, un Miguel Angel, Un Velázquez o incluso un Picasso? ¿Porque si trasladamos esa pregunta a esta época la dudamos tanto en responder? ¿Será que los "artistas" están escasos así como las obras de arte?
Este hecho puntual y muchos otros que se suceden me trajeron a la mente las reflexiones del escritor vasco Ramiro de Maeztu, cuyas ideas estéticas han llamado mi atención. A continuación comparto una frase en particular:
"…Ya no hay prestigios universales, ni apenas nacionales…Se prepara un academicismo internacional de lo feo y lo monstruoso, fabricado en serie…Lo que ocurre es muy fácil de explicar. La técnica artística se ha separado de los ideales humanos todo lo que ha podido…Al emanciparse (el arte) de la moral, renunció con ello a su misión de amor, y como la belleza produce el amor, se la declaró también innecesaria…El último tijeretazo es el que ha roto la vinculación del arte con la vida….Después de esta desolación espiritual que empuja a tantos artistas al culto de lo feo y lo monstruoso, las almas….pedirán a la belleza la verdad, toda verdad (porque sólo ella nos hará libres)…(Espero) que cada día encontrará menos defensores el pretendido derecho del artista a hacernos a amar lo odioso y u odiar lo amable"
Nunca estuvo más acertado y de aquí rescato esta frase en particular: "la vinculación del arte con la vida" Se supone que el Arte está para brindar una experiencia estética desde lo cotidiano fuera de lo cotidiano. ¿Que quiere decir esto? Que el arte tiene esa poderosa cualidad de tomar lo ordinario y transformarlo en extraordinario y devolver una mirada renovada sobre el mundo. Sólo el arte es capaz de de convertir aquello más simple o cotidiano y hacernos descubrir su belleza, su dolor, su tragedia, su humor. Porque cuando se habla de experiencia estética, no quiere decir solamente algo "lindo" sino una experiencia vivida desde las emociones que pretende producir dentro nuestro una renovación del espíritu y convertir ese instante en un momento trascedente.
Pero en el caso de Vargas Habacuc, donde está lo trascendente? ¿Dónde está ese vínculo del arte con la vida? Y por consiguiente; ¿donde está la Obra de Arte? Pues simplemente no existe, aquí sólo existe una persona ególatra, narcisista y un enfermo mental que ostenta el título de artista.
Es una vergüenza que personas de este tipo utilicen el título de Artista y el de Obra de Arte para justificar un hecho criminal como éste. Pero es todavía más vergonzoso que existan personas para legitimar su trabajo cediéndole un espacio en una galería o centro cultural bajo la excusa del respeto a la "libertad creativa".
¿Y que hay del respeto a la vida y los valores humanos? La gente tiene que dejarse de ser tan "esnob" lo cual me recuerda el famoso cuento de Andersen "El Traje Nuevo del Emperador" que en mi infancia lo leí desde una postura de niña, pero cuando lo leí de vuelta, ya grande, me di cuenta que era más que un cuento; es una lección sobre una sociedad contemporánea que cae presa de los espejismos, los engaños y en aras de una pseudo-intelectualidad que legitima cualquier cosa como verdadera.
Y a pesar de toda la porquería que puede existir hoy en día en el mundo del arte, yo conservo mi rayo de esperanza, porque sé que en algún rincón del planeta hay un/a artista, con una hoja en blanco en frente, o simplemente deleitándose ante la maravillosa fuente de inspiración que la naturaleza le regala cada día o ante el dolor humano, y quien silenciosamente y sin grandes pretensiones, se dispone a hacer uso de su oficio y sensibilidad para crear una obra, portadora de un mensaje de humanismo que perdurará en el tiempo.
Finalmente, invito a todos a firmar la petición online para evitar que Guillermo Vargas Habacuc participe en la Bienal Centroamericana de Honduras en el 2008. Más de 186.000 firmas ya se han recogido en todo el mundo. Este es el link para firmar la petición: http://www.petitiononline.com/13031953/ Hacer click donde dice: "Sign Petition"
Gracias por su tiempo, pero no podía permanecer muda ante un hecho como éste.
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Si.... que hermoso!!!! cuando encontramos gente que como dijera el poeta Atahualpa Yupanqui ..." Nos reconocemos por el lejano mirar...por las coplas que mordemos....semillas de inmensidad...." Es un verdadero gusto estos intercambios que se producen de pais en pais .... de continente a continente ... entre Artistas.
El aporte que hizo Tomi al articulo sobre el lado oculto de las Meninas brinda otra lectura que desde mi entender, parece como si se tratase de un mensaje que Velazquez ha destinado a todos aquellos que de alguna u otra forman decidieran en el futuro abrazar la carrera de la pintura.
Este otro mensaje, pone de manifiesto el genio indiscutible de Velazquez, quien hábilmente dejó un testimonio acerca de su labor, la cual, sin ninguna duda no podía estar enmarcada simplemente dentro del concepto de lo que sería un "oficio" sino dentro de una labor "intelectual" reservada sólo para aquellos con los conocimientos necesarios. Reivindicó su trabajo y su posición como artista.
Y esto, para mi demuestra que Velazquez "es" un verdadero maestro, porque su legado se ha mantenido vigente a través del tiempo. Su aporte no tiene un valor inconmensurable que ha trascendido su propia muerte y lo ha inmortalizado. A través de su obra sigue y seguirá "enseñando" a
sucesivas generaciones, valiosas lecciones sobre la "labor intelectual del arte" y el lugar que ocupa en el mundo un "Artista"...
Adriana
Yahoo! Noticias Todo lo que tenés que saber sobre Elecciones Presidenciales 2007 encontralo en Yahoo! Noticias. http://ar.news.yahoo.com/elecciones2007/
Quien suscribe estas lineas es GUSTAVO ADOLFO DIAZ URDANETA
GADU ,pintor naif venezolano ,radicado en caracas ,mi web site esta en
construccion haciendo un refrescamiento www.gadunaif.com, es para mi
un placer estar aqui en este grupo y compartir ideas sobre nuestros
trabajos.tenemos que darel color a este mundo que cada dia se torna
mas gris.
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